Таймкод — такое модное слово в этом году. Только и слышно отовсюду: таймкод, таймкод.
Заказчики, когда им впаривают таймкод.
Для всех сторон выходит очень удобно. Раздутый ажиотаж дал возможность дизайнерам дурить заказчиков завышенными гонорарами. Перевозбужденные клиенты, недостаточно разобравшись в вопросе, требуют таймкод везде и получают его даже там, где совсем не нужно.
Заказчики и художники по свету совместными заблуждениями наделили таймкод вымышленными мистическими свойствами.
Гляди, таймкод привезли!
На самом деле
Сам таймкод не создает выдающихся световых композиций и эффектов — это делает дизайнер. Шоу с привязкой к таймкоду никогда не станет особенным с дерьмовыми кьюхами. Таймкод не сделает их лучше, а только запустит синхронно с музыкой.
Таймкод — инструмент, который всего лишь автоматизирует запуск заранее запрограммированных кьюх в нужное время.
Таймкод не скроет отсутсвие у дизайнера музыкальности и чувства вкуса.
Почему я не использую таймкод в «Би-2»
Он мне не нужен. Музыкальное мышление барабанщика привило способность на интуитивном уровне понимать музыку: структуру песен, стоп-таймы, брейки. Я в состоянии сам запустить нужную кью точно в долю.
Группа не играет под подклад и метроном. Существует мнение, что метроном в определенных жанрах убивает живой пульс музыки. Бывает, что на темпы влияют сами залы и особое настроение музыкантов. Тогда песни могут исполняться медленнее, быстрее или разгоняться по темпу в каких-то частях произведения. Есть группы и артисты, к примеру, где метроном уничтожил бы живое дыхание музыки: Foo Fighters, Metallica, Red Hot Chilli Peppers, Adele. В то же время, обратный пример: Muse, Maroon 5, 30 Seconds to Mars, Beyonce.
Это скучно. Я музыкант и хочу быть частью группы. Мне нравится нажимать на кнопки, дергать фейдеры, а не стоять сложа руки и наблюдать как автоматически воспроизводятся мои кью-листы.
Тем не менее я использовал в этом году таймкод на московском концерте группы «Моя Мишель». Причин несколько: было мало времени на погружение в материал и я не мог присутствовать на шоу лично.
Когда есть смысл использовать таймкод
У группы сыгранная программа с привязкой к метроному или подкладу.
У вас недостаточно времени, чтобы разучить музыкальный материал.
Вам сложно запускать кью-листы вручную. Не у всех развита музыкальная интуиция и ритмичность — это нормально. Автоматизация решает эту задачу.
Нужно синхронизировать несколько элементов шоу: музыку, видео, спецэффекты.
Необходима отчуждаемость проекта от дизайнера, чтобы любой оператор пульта смог воспроизвести шоу.
Оценивайте трезво целесообразность синхронизации музыки и света. Первичен дизайн, вкус, музыкальность, обоснованность приемов, а не запуск бессмысленных кьюх вовремя.
Шоу с таймкодом никогда не сделает заурядное шоу лучше.
В отличие от театра или тв, где художественная задача освещения стоит на втором месте после необходимости осветить актеров и декорации, концертное световое шоу — это история в первую очередь про видимость света.
Дизайн сцены, развес приборов и программирование шоу нацелены на то, чтобы светом усилить эмоции от музыки. Свет должен ослеплять, добавлять драматичности контровым расположением, удивлять и поддерживать аранжировки эффектами. А для этого нужно, чтобы лучи были видны в пространстве.
Вы сделали все, чтобы лучи были видны зрителю и не дали ничего артисту. В прошлой жизни я был по ту сторону зала и знаю о чем говорю. Ощущения от света и концерта на сцене не имеют ничего общего с тем, что получает зритель. Музыканты на сцене заслуживают и тоже хотят получать впечатления от связи света и музыки. Не представляете, насколько сильна зависимость между эмоциональным состоянием артиста и общей энергетикой концерта.
Перед глазами зрителя — яркая, захватывающая дух пульсирующая сцена с любимой группой. А артист видит перед собой темный зал, изредка вспыхивающий от блайндеров, и бродящие по головам световые пятна от спотов.
Что делать?
1. Узнайте ощущения на сцене
Попросите кого-то пройтись по вашим кью-листам, а сами сходите на сцену и посмотрите как это выглядит с той стороны зала. Гарантирую, вы будете ошеломлены. Ничего из того, что видит ваш зритель и чем вы так гордитесь, недоступно музыкантам на сцене.
У меня был бесценный опыт, когда пару раз приходилось ставить световой пульт сбоку от сцены на закрытых мероприятиях. Я увидел, что из себя представляет мое шоу глазами группы.
2. Шоу внутри шоу
Вариантов не так много: поместить приборы на фронтальных фермах, прострельно по бокам сцены или раскидать приборы в зале.
Фронтальные приборы
Я не сторонник российской традиции заливать сцену вошами с фронтальных линеек. Так не делают в западной шоу-индустрии. Чаще всего иностранцы используют фронтальные фермы с приборами в качестве дополнительно работающих на зрителя. Лучи могут быть направлены в воздухе для создания «пышной» световой картины.
Если вы используете фронтальную заливку, используйте ее и для эффектов, направленных внутрь сцены: на музыкантов.
Прострелы
Я считаю лучшее решение — это увеличить количество приборов по бокам сцены. Большое количество прострельных приборов может играть двойную роль: освещать музыкантов и пространство сцены, а также участвовать в эффектах для создания ощущения «концерта» у артистов.
Приборы в зале
Существует распространенная практика, когда световые приборы располагают в зале. Чаще всего это можно увидеть на съемках — это делает черный зал видимым для камеры. Но не всем артистам нравится, когда зал освещен.
Земфира, «Маленький человек» в Олимпийском.
Многие крупные фестивали развешивают приборы на башнях с дилеями (delay towers). Кроме украшения самих конструкций, это добавляет концертных эмоций зрителям, стоящим очень далеко от сцены. На этих же башнях чаще всего сидят операторы пушек следящего света.
Внесите в дизайн своего шоу прострельные приборы. Относительно статичным музыкантам: барабанщикам, клавишникам можно поставить что-то на пол вокруг них. Барабанщикам без сомнений понравятся стробоскопы за спиной. Если вы используете фронтальную заливку, добавьте эффектов, пульсов на них.
Любите своего артиста. Думайте о его комфорте и тех эмоциях, которыми он обделен. От этого в большей степени зависит магия всего концертного шоу.
Я трезво воспринимаю действительность. Никто из основных потребителей нашего интеллектуального продукта не понимает что вы делаете и не в состоянии компетентно оценить: хорошо мигает свет или не очень.
Вот наш артист. Путь даже исполнитель разбирается на своем уровне и уделяет большое внимание зрелищности своего шоу, но есть проблема. Артисты не могут посмотреть свой концерт со стороны глазами зрителя. На сцене они воспринимают шоу в искаженном виде, а фотографии и видео не передают им энергетику в зале. Эти ощущения влияют на оценку всего шоу в целом.
Зритель — тем более не показатель. Его легко поразить многоцветными комбинациями, какими-нибудь призмами и резкими контрастными вставками. Маловероятно, что публика увидит насколько тонко вы обыграли песню с помощью цветовой схемы и спрятали смысл за двойным дном. Покрутите зрителю радугу, помотайте башками и он будет в восторге. Такая невысокая требовательность развращает и расслабляет дизайнера.
Мысль, что никто ничего не понимает и не в состоянии оценить на профессиональном уровне, может парализовать желание вообще что-то делать качественно.
Так что дает мне энергию этим заниматься? Что вдохновляет учиться, жадно впитывать все что связано со светом и шоу-индустрией?
В первую очередь — я сам. Эгоизм чистой воды. Я желаю получать удовольствие от своей работы. Я сам себе ставлю планки, достигаю их и повышаю вновь. Для себя самого я являюсь одновременно самым безжалостным и самым требовательным критиком. Только я знаю наверняка, на что способен сейчас, вот в этих конкретных условиях концертной площадки. Лишь мне понятно, что и как нужно исправить в будущем, чтобы сделать следующий концерт лучше.
Может случится так, что усталость притупляет бдительность. Тогда в дело вступает второй внутренний механизм. Я называю его воображаемым экспертным сообществом. Это работает так: представляю, что за моей спиной стоят коллеги. Профессионалы, кому я доверяю и готов прислушиваться. Они скрестили руки на груди, перешептываются, ловят каждую ошибку и одобрительно кивают на удачных моментах.
Кроме меня, только они видят детали и способны их оценить. Нежелание опозориться перед профессионалами, которые понимают как все работает, мобилизует и заставляет делать круто.
В этом плане я очень рад, когда за спиной стоят реальные люди из профессии: ведь с ними можно сразу на месте что-то обсудить и получить бесценную критику.
Я сам даю себе мотивацию учиться и развиваться профессионально. В этом мне здорово помогаете вы, мои дорогие коллеги. Даже сами того не подозревая.
Мой главный секрет в том, что я не воспринимаю эту деятельность как работу. Просто делаю то, что мне нравится, от чего у меня горят глаза. Я вкладываю в это дело душу и не думаю о деньгах. В награду получаю бесконечное удовольствие от жизни, а материальное вознаграждение, как оказывается, прилипает в этом случае как-то само собой.
Создатели больших сольных концертов и туров упускают одну важную деталь. Если повезет, и отсутствие этого элемента не превратит шоу в говно, то совершенно точно лишит его зрелости и осмысленности.
Шоу здорового человекаШоу по-московски
В поисках идеи
Мы все смотрим, восхищаемся и заимствуем идеи у мировых туровых шоу. В этом нет ничего запрещенного или плохого. Дизайнеры во всех областях используют прием inspiration — поиск вдохновения. Художники учатся на работах мастеров, архитекторы изучают чужие строения. И не только дизайнеры: музыканты и композиторы слушают других исполнителей, вдохновляются чужими произведениями. Игнорировать этот накопленный опыт, своего рода базу знаний — глупо.
Изучая работы коллег, дизайнер может избежать нежелательного повторения. А что самое ценное — такой поиск способен подтолкнуть воображение на создание чего-то нового и своего.
Не вижу ничего дурного в адаптации интересных находок из чужих шоу, если это не грубое воровство. Никакой элемент шоу не может жить сам по себе. Он часть системы, которая обслуживает главное действующее лицо: артиста.
Сергей Лазарев
Katy Perry
Сергей Лазарев
Katy Perry
Сергей Лазарев
Katy Perry
Сергей Лазарев и Katy Perry
Вы можете взять понравившуюся деталь и прилепить ее к своему артисту. Ничего не выйдет без подгонки с учетом особенностей вашего исполнителя. Заимствованный элемент шоу будет смотреться чужеродно и нелепо.
Тимати
Nine Inch Nails
Тимати
Nine Inch Nails
Тимати
Nine Inch Nails
Тимати и Nine Inch Nails
Я встречал среди коллег намеренный отказ от изучения чужого опыта под предлогом рождения своей, новой гениальной идеи, как они утверждали. Надо ли говорить, как выглядел результат?
Изучение инструментов и методик их использования не имеет ничего общего с волшебством создания самостоятельного художественного произведения. Иными словами: как вы будете писать картину, если ничего не знаете о кистях и как их держать в руках.
Шоу-технологии эволюционировали в западной культуре постепенно, обрастая накопленным опытом по их применению. Нам же они достались просто так и сразу. Вопрос только когда же мы научились ими так же ловко пользоваться?
Тем временем в Москве
Итак, у нас на носу большой сольник или тур. Как настоящие профессионалы, изучаем опыт коллег. Вот возьмем Бейонсу, например: экраны, свет, движущиеся конструкции, танцоры, мэппинг. У нас есть все абсолютно такое же. Значит будет так же круто и даже лучше, верно? Ну, как нет?
Бейонса, тур The Formation
Мы обладаем теми же технологиями и инструментами, посмотрим как они их используют и сделаем так же.
А вот и нет. Пропасть между таким разовым сольным концертом и туровым шоу условной Бейонсы выражается в компоненте, который и отличает шару от шоу — в репетиционном периоде.
Ирина Аллегрова, шоу «Перезагрузка».
Production rehearsal
В западной шоу-индустрии финальный этап подготовки к шоу называется production rehearsal. Предлагаю перевести и называть его, как принято на театральном арго, — «прогоном».
Прогон проходит на реальной площадке или в специальном помещении, где собраны все элементы предстоящего шоу. Группа или исполнитель репетируют в реальных условиях концерта со всеми его составляющими: светом, видео, декорациями, балетом, костюмами, спецэффектами.
Muse. Подготовка к туру The Resistance
Артист в это время привыкает к пространству сцены и учится работать с подвижными элементами. Художники по свету вносят дополнения и исправления в шоу, которое было заранее запрограммировано виртуально в визуализаторе.
Мадонна. Подготовка к туру MDNA.
У разных артистов и групп прогоны продолжаются от пары дней до нескольких месяцев. Важно другое: ни одно шоу не поедет в тур без этапа прогона.
Подготовка к туру Queen и Adam Lambert.
Все, что готовилось заранее по частям, собирается в одно целое и проверяется на жизнеспособность. Как паззл. Что не работает или откровенно плохо — убирается или исправляется.
Nine Inch Nails.
В «московском шоу» все это происходит прямо во время концерта. Часто первый и последний раз.
Ожидание
Реальность
Демонтируем предыдущее шоу и смонтируем наш новый сетап.
Работники проката видят предстоящий сетап первый раз на площадке.
Площадка будет готова к 11:00.
Площадка готова к 14:00.
Саундчек и правки в готовое световое шоу с 11:00 до 14:00. Параллельно проверяем видео.
Саундчек и «лайтингчек» затянулся до 18:00. Много чего не успели. Видюшники видят световиков первый раз в жизни. Сидят в разных углах фоха.
С 15:00 до 18:00 — прогон с артистом.
Артист вымотан и раздражен. Никакого прогона. Чекаемся до 18:30 со всей закулисной возней и технической руганью. Зрители все слышат за закрытыми дверями.
Запустим людей в 18:00.
В 19:00 запускаем зрителей. Работаем как есть.
Празднуем триумф.
«— А что, круто же все вышло, зря очковали!»
Если речь идет про тур, то шоу будет эволюционировать по ходу продвижения на каждом концерте.
Что делать?
Главное и на первый взгляд пуленепробиваемое объяснение «шоу по-московски» — бюджет. Действительно, дорого заранее арендовать зал, собрать все шоу и репетировать, а бывает что и невозможно.
Решений не так много:
Репетировать шоу заранее в любом случае. Без вариантов.
Если большому сольнику предшествует ряд концертов или тур, использовать эту возможность как прогоны. В дороге вы выдрачиваете все до мелочей, а на больших сольниках просто масштабируете и дополняете деталями.
Вообще, как-то странно выходит. Постоянство — один из существенных требований к любому туру. Зрители во всех городах должны видеть одно и то же. Но «шоу по-московски» чаще всего представляет собой кардинально новый сырой проект. В чем смысл?
Фирмачи
Не только Раммштайн репетирует шоу на полномасштабной сцене перед туром. Я рад, что некоторые наши артисты так же фирменно подходят к производству шоу и демонстрируют убедительный пример всей индустрии.
Земфира репетировала оба прошлых тура в Германии и в Москве.
Шоу «Я» Филиппа Киркорова отрабатывалось на протяжении 40 дней на реальной собранной площадке в Москве.
Zavod Show делал прогоны шоу тура Полины Гагариной у себя в дэкашке.
«Кастинг артистов балета состоялся 1 ноября. В течение ноября, декабря и января в киностудии «ГлавКино» были построены в полную величину декорации шоу «Я» в масштабе Большого Кремлевского дворца. Все это время шла постановка хореографии, репетиции отдельных связок и номеров. С февраля начались ежедневные полномасштабные репетиции всего шоу вместе с Филиппом Киркоровым и продолжались до самой премьеры в конце марта. В Кремль были перевезены все декорации и в течение недели до премьеры репетиции шли в зале в костюмах и декорациях вместе с артистом.»
Антон Коробков-Землянский
Мы в «Би-2» планируем репетиционный период для нового тура.
Где они репетируют
Многие группы и артисты арендуют зал, в котором состоится первый концерт тура и репетируют несколько дней до премьеры.
Peter Gabriel, шоу Back To Front
Кроме этого существует отдельный рынок так называемых rehearsal arenas — огромные ангары и помещения, где можно построить полноразмерную сцену с декорациями.
Это собирательный образ системного подхода к производству шоу в стране. Не важно, делаете вы танцевальное шоу в Тюмени или Хануку в Москве.
«Шоу по-московски» — это когда в вашем распоряжении топовые технологии и инструменты. В своем воображении вы стоите на одной ступени с мировыми туровыми шоу и уверены, что сделаете так же без репетиций и прогонов в реальных условиях.
Виноваты в «шоу по-московски» каждый по-своему. Артист и зритель могут заблуждаться. Создатели на это не имеют права. Ну смотрите сами. Зрителю помигали разноцветными диодами — ему круто. Артист прокатился на конструкциях и видит довольного зрителя — ему тоже круто. Создатели запустили все это, видят довольного артиста и считают гонорар — круто-то как! А реально? Ну, честно?
Возможно в этом стыдно признаваться, но о существовании немецкой супергруппы Moderat я узнал за несколько дней до концерта. Вообще, с точки зрения восприятия шоу — это даже хорошо. Так мое впечатление не было окрашено отношением к группе и ее музыке.
«У них очень крутое шоу, нужно сходить посмотреть», — уверял меня Боря Лифшиц, барабанщик «Би-2». Беглый просмотр видео перед походом это только подтверждал.
Концерты сами по себе — это аудио-визуальный жанр. Тут важно понимать, что несмотря на воздействие на оба органа чувств: зрение и слух, видео в ютубчике лишено важной составляющей. На эмоциональные процессы от концерта влияет информация, поступающая еще тактильно и даже обонятельно. Информация, которую невозможно получить дистанционно: ощущение вибрации зала и внутренних органов от звука, жар от пиротехники, давка и пляски с фанатами, да хоть даже парфюм симпатичной девушки, что стоит рядом. Я настаиваю: ходите на концерты. Только так вы сможете получить полное, насколько это возможно, удовольствие от любимого артиста.
Итак, убедившись, что Moderat действительно запарены на шоу, я захотел проверить это лично и абсолютно все мои ожидания оправдались. Я выделил три фишки, которые делают это шоу особенно крутым. Скажу, почему у нас так вряд ли получится. И укажу на одну деталь, которая это шоу немного обесценивает.
1. Контрасты
Шоу Moderat очень темное. Об этом, кстати, предупреждает зрителей сама группа перед выступлением и просит не снимать со включенными вспышками.
Опытные дизайнеры сходятся в утверждении: вы можете пытаться удивить зрителя любым количеством света, но от восторга они запищат когда вы оставите всего один луч — в нужный момент.
Группа безукоризненно пользуется этим приемом. Слабые доли поддержаны пульсом контровых приборов, стоящих на полу. В местах, где вступает вокал, на музыканте делается акцент верхним спотом. Ритмические лупы в аранжировках раскиданы эффектами на стробы. Все шоу очень силуэтное, фронтальный свет появляется только между песнями во время общения с публикой, как бы вынимая на время зрителя из концертной магии.
Экраном умело пользуются как универсальным световым прибором. Маленькие, размером с cd-диск графические элементы появляются на ярком диодном экране, через дым буквально горят и прожигают пространство зала. Контраст тут работает от анимации и видео на весь экран до крошечных точек и мелкой графики.
(видео специально ускорено, чтобы копирайт-наци не выпилили из ютуба)
Как у нас? Лиц не видно! Мало кто умеет элегантно и эффектно работать с малым количеством приборов, а особенно достаточно смел, чтобы выключать все на фиг в нужный момент. Если дали экран, то нужно забить его контентом на всю площадь.
2. Видео-образы
Выявил несколько графических лейтмотивов, которые сквозят через все шоу.
Иллюстрации и видеоролики выполнены в стилистике гравюры, а именно ксилографии.
Этому стилю свойственна передача изображения без градиентов, а тени и полутона создаются с помощью чередования штрихов.
Суть в том, что на доске с помощью ножей и стамесок вырезается изображение, окрашивается и переносится на бумагу. Все, что выступает — будет черным штрихом, выемки — белым. Эта техника еще называется продольной или обрезной гравюрой, потому что точно отражает особенность техники. Чтобы получить черный штрих, нужно обрезать его вдоль с двух сторон.
Совпадение или продуманный ход дизайнеров группы, но именно немецкие художники Михаэль Вольгемут и позднее его ученик Альбрехт Дюрер в конце пятнадцатого века преуспели в ксилографии.
Графика в стиле ксилографии появляется на обложках альбомов, синглов, в клипах и видео.
Второе — это использование изображения рук. Образ очень яркий и по-философски бездонный сам по себе. Можно только пофантазировать, чем именно руководствовались дизайнеры при его выборе. Например, что руки — это граница между двумя мирами: внутренним миром человека и миром внешним. Миры соприкасаются — тут можно красиво обыграть «касание», но только через границу, в том числе и из рук.
Руки всплывают у группы повсеместно: и в видеороликах и на обложках альбомов и синглов.
Оказалось, кстати, что руки интересуют не только немецких дизайнеров. Наш художник Михаил Шемякин больше сорока лет исследует и классифицирует символы рук в искусстве: в графике, живописи, скульптуре. У Шемякина есть экспозиция «Рука в искусстве».
По мнению художника, человек начал изображать свою руку как только начал создавать графические изображения. Руки как знак встречаются во всех религиях, руки использовали для арифметического счета, как календарь. В конце-концов по руке даже гадают.
Как у нас? Мы можем только имитировать стили рисунков и иллюстраций. Немецкие дизайнеры выросли в другой исторической и культурной среде, такие художественные ходы у них получаются сами собой.
3. Типографика
Moderat талантливо вплетают типографику в видео. Используют модные сейчас «караоке»-эффекты в видео с фразами и словами из песен. В роликах, где нужно создать графический шум или вымышленные ретро-интерфейсы дополненной реальности играют с типографскими символами.
Работа со шрифтами безупречная: красивые гарнитуры, кегли, кернинг. Видно, что в дизайне участвовал опытный шрифтовик.
Типографика — основа графического дизайна. Это одновременно и искусство и техника делать текст через шрифт удобным для чтения и визуально гармоничным.
Много дизайнеров, в том числе и я, согласны с выдающимся шрифтовиком Юрием Гордоном. Он убежден, что кириллический алфавит некрасивый. Любые слова, набранные латиницей будут выглядеть лучше. Гордон считает, что наши буквы неинтересные, вялые по конструкции и похожи друг на друга. Большинство строчных букв — это копии прописных.
«Кроме сходства с прописными, наши строчные имеют одну очень неприятную особенность: они создают впечатление второго масштаба знаков в строке. Латинские строчные выдержаны в одном с прописными масштабе. У них достаточно много выносов, что позволяет зрительно поднять верхнюю линию строчных. А самое главное — у латинских строчных отсутствует средняя полка, разрезающая и без того приплюснутую кириллическую строку посередине: aexk против авеёжзкнхчъыьэя. Многочисленные мелкие замкнутые элементы кириллических букв авеёзъыья еще сильнее подчеркивают разномасштабность регистров Результат: кириллические строчные кажутся мельче своей латинской родни».
На фоне того, что латиница достигла предела своей выразительности в 15 веке и развивалась равномерно, то кириллица очень молода. Наш алфавит был решительно перекроен во время Петровской реформы 17 века.
Вместо церковного устава и полуустава, который многие ошибочно называют «ижицей», был насильно введен гражданский шрифт — антиква. За триста лет буквы меняли форму и становились гармоничней. Но главное, этот процесс продолжается по сей день.
Как у нас? Кроме того, что мало кто обращает внимание на типографику в дизайне, сам кириллический шрифт не так элегантен как латинский. У нас просто не выйдет так же круто работать с буквами. Кроме того, мы воспринимаем латинские символы как графические формы, и только во вторую очередь как буквы.
Хипстота — зло
Сниму свои обвинения, если только парни докажут, что все эти графические хипстерские рюшечки — самоирония и стеб.
В 2016 году, делать графику в стилистике хипста-лого, с треугольниками, стрелочками, типографикой настоящее преступление!
Техническая спецификация
Свет управляется по таймкоду с крыла grandMA2 onPC. Дополнительно дизайнер возит миди-контроллеры и port node для расширения количества выходов.
Спасибо за фото Денису Бурулину
Видео запускается из виджейской программы Modul8. Работа видеодизайнера очень музыкальная и ритмичная. Я не знаю, но если события не привязаны к таймкоду, скорее всего оператор управляет темпами вручную тапом и смотрится это очень круто.
По райдеру все очень скромно. Группа привозит световые и видео пульты, лазеры, проекторы. Что касается проекторов — вряд ли это шоу смотрится так же эффектно на них, как на диодном экране.
Шоу Tension 2013 группы Nine Inch Nails больше всех повлияло на мое мышление концертного дизайнера. В Tension 2013 я получил пример безупречной работы с контрастами, пространством сцены, совмещением видео и света.
Дизайнеры шоу демонстрируют, насколько глубоко можно обыграть аранжировки и настроение песен визуальными средствами. Шоу NIN агрессивное и музыкальное. Ничто не перетягивает одеяло на себя: все части шоу собраны в одно целое музыкально-визуальное представление.
И главное, Tension 2013 дает представление как работать с самым мощным инструментом светового дизайнера — с темнотой.
Я убежден, что дизайн — это деятельность для решения задач, а не искусство само по себе. Задача дизайна концертного шоу — усилить эмоции от музыки, воздействуя на важный канал восприятия информации об окружающем мире — на зрение.
Дизайн не может существовать в отрыве от музыкального материала. Чтобы понять, почему дизайнеры использовали тот или иной прием, нужно узнать про группу и ее музыку как можно больше.
Шоу Tenshion 2013 появилось не само себе из воздуха и воображения дизайнеров. В нем сохранены и обыграны элементы, находки, которые группа использовала на концертах с 1994 года.
Nine Inch Nails
NIN — величайшая рок-группа, которая уделяет равное внимание музыке и шоу.
В группе NIN только один постоянный участник — продюсер, вокалист, автор песен Трент Резнор. Он единолично решает: что будет делать группа, как звучать и как это будет выглядеть на сцене. Для студийной работы и концертных туров Резнор каждый раз собирает новый состав музыкантов.
Во всех материалах о группе ее относят к жанру индастриал-рока, хотя самому Тренту это определение не нравится. Вместо ярлыков лучше попытаться описать саму музыку: агрессивная, тяжелая, мелодичная, мрачная, многослойная. В звучании группы мастерски смешаны электронные и живые инструменты. NIN — это скульпторская работа со аранжировками, сэмплами, звуками, битами, нойзом.
Grammy номинировала NIN 13 раз и дважды награждала. Два раза группа претендовала на «Зал славы рок-н-ролла».
Вы можете не знать ничего о группе и Резноре, но наверняка встречались с его творчеством. Резнор — успешный кинокомпозитор, он получил «Оскара» и «Золотой глобус» за музыку к фильму Дэвида Финчера «Социальная сеть» и «Грэмми» за «Девушку с татуировкой дракона». Резнор написал музыку к фильмам «Исчезнувшая», «День патриота», продюсировал саундтреки к фильмам «Прирожденные убийцы», «Шоссе в никуда». Песни NIN используют в фильмах и саундтреках.
Музыка Резнора звучит в компьютерных играх Call of Duty: Black Ops II и Quake. Разработчики «Квейка» поместили логотип NIN на ящики с гвоздями для для гвоздомета.
Тур Self-Destruct, 1994
С самого первого тура Self-Destruct в 1994 году с группой работает дизайнер и художник по свету Лерой Беннет.
Это сразу стало заметно: свет выглядит осмысленным, вносятся первые элементы шоу. Во время концерта перед музыкантами опускается и поднимается тюль для проекции видео. Группа не видна зрителям и появляется когда их освещают. Позже этот прием будет часто использоваться группой в своих шоу.
https://www.youtube.com/watch?v=dhh21crSohs
Лерой Беннет — глыба концертного рок-дизайна. Он работал с Rammstein, Guns ‘N Roses, Принцем, Queen, Bon Jovi, Cure, Duran Duran, Van Halen, Marilyn Manson, Scorpions, Garbage, Полом МакКартни. И с попсой: Мадонной, Рианной, Келли Кларксон, Леди Гагой, Бейонсой, Maroon 5. На эпическом концерте Жан-Мишель Жарра на Воробьевых горах в 1997 году он был художником по свету. Старожилы помнят о чем речь.
NIN поддерживала агрессивное звучание сценическим поведением. Музыканты набрасывались друг на друга, разбивали инструменты, прыгали в толпу, получали увечья. Настоящее рок-шоу!
https://www.youtube.com/watch?v=oL9Azd3CCXU
Тур Dissonance, 1995
Следующий тур Dissonance был совместный с Дэвидом Боуи. На сцене появляются прототипы узнаваемых элементов Tesion 2013 — движущиеся световые панели.
Их собрали из отдельных «паров» и опускали на высоту вытянутой руки над головами музыкантов. Боуи выступал после NIN и панели поднимали наверх.
Сзади сцены висела ткань, на которую шла проекция видео во время совместного исполнения пяти песен Резнора и Боуи.
https://www.youtube.com/watch?v=dGVZ5SJdbK8
Тур Fragility, 1999
Тур 1999—2000 года Fragility состоял из двух частей: Fragility 1.0 и Fragility 2.0. В первой части дизайнер сохранил обкатанные части сценографии из предыдущих туров: задник для проекции видео, опускающийся тюль перед музыкантами, люстры из паров, которые двигаются по высоте.
В этом туре закрепилась фишка группы: музыканты освещались приборами с пола.
https://www.youtube.com/watch?v=fkGIL_IRz2c
В туре Fragility 2.0 произошел технологический скачок. Впервые в концертной истории группы появились подвижные диодные экраны. Это выглядело как триптих: три секции, по краям одинаковой ширины 1×5 м, а центральная в два раза шире — 2×5 м.
Экраны висели над головами музыкантов и перемещались в контровую вертикальную позицию в нужных местах концерта. На экранах на трех песнях показывали видеоарты художника Билла Виолы. Остальное время на экраны выводили абстрактные геометрические формы и просто сплошной цвет — использовали экраны как дополнительные световые приборы.
Марк Брикман был художником по свету. Он придумал прострельные фермы, весь напольный сетап и повесил головы между экранами. Лерой Беннет был недоволен развесом Брикмана: «Это не то, с чем я привык иметь дело». За три дня до премьеры Беннет приступил к программированию шоу. «Я добавил приборов по своему усмотрению и запрограммировал шоу так, как это вижу я», — вспоминает Беннет.
В шоу был еще один прием, который дизайнеры повторят в будущем туре «2013». На ткань перед сценой контровыми приборами за музыкантами проекцировались их силуэты. Идея была не новая. Этот эффект уже использовался в шоу Talking Heads в 1984 году и у Depeche Mode в туре Devotional в 1994 году.
Шоу впервые использовало таймкод для синхронизации. С мультитрекового рекордера Tascam DA-88 выходила дорожка с кликом для барабанщика и SMPTE сигнал для света, видео и подвижных конструкций.
Дизайнеры использовали пульты Flying Pig Whole Hog II.
Fragility 2.0 был лучшим туром 2000 года по версии журнала Rolling Stone.
Тур 2005—2006 года назывался With Teeth и тоже состоял из двух частей, которые отличались по дизайну: «осенний» и «летний».
Со слов Лероя Беннета, в «осеннем» туре он попытался обыграть обложку альбома.
По бокам у клавишника и барабанщика стояли декоративные элементы в виде изогнутых трубок с диодами на конце. Они освещали музыкантов и были похожи на линии с нижней части логотипа на обложке.
Фоновое изображение Беннет передал диодными экранами, которые сложил в необычные конфигурации. Он назвал их сталактитами и сталагмитами. Экраны висели сверху и стояли на сцене. Таким расположением, похожем на нижний и верхний ряд зубов, они обыграли заодно и название альбома.
За группой дизайнер расположил диодный экран на всю ширину сцены. Спереди с сбоку сцены опускали уже знакомую из прошлых туров полупрозрачную ткань для проекции. Вместе с ярким экраном сзади создавалось ощущение трехмерного пространства. Это был еще один новый прием, который группа будет использовать в будущих шоу.
https://www.youtube.com/watch?v=WMBztlReewg
Сверху сделали потолок из 7 ферм вдоль глубины сцены.
Конструкция перемещалась по высоте и создавала в нижнем положении узнаваемый «клаустрофобный» эффект.
https://www.youtube.com/watch?v=jtQTriNVdZc
В туре With Teeth Трент Резнор меньше передвигался по сцене, в основном стоял у микрофонной стойки. Такое сценическое поведение сохранится во всех будущих турах.
Во второй части тура группа внесла изменения. Один большой экран сзади заменили на семь раздельных прямоугольных частей Barco D7, между которыми повесили диодные палки.
Тур проходил летом по открытым площадкам. Встал вопрос что делать с видеопроекцией. Группа сделала следующий технологичный шаг: вместо тюля для проекции перед группой спереди опускалась клетка. Это были 5 складывающихся полотен с диодными полосками Versa RAY, на которые выводили несложную пиксельную графику. Сейчас сложно назвать это диодным экраном или диодной сеткой. Шаг пикселей был такой, что Резнор просовывал между рейками руки и повисал на полотне: 77 мм по горизонтали и 100 мм по вертикали.
Начиная с тура With Teeth появился третий человек, кроме Резнора и Беннета, кто участвует в создании сценографии, дизайна, видеоконтента — Роб Шеридан.
Роб Шеридан — один из трех важнейший людей в мире шоу NIN. Резнор взял на работу Шеридана в 1999 году на проект по перезапуску сайта. Роб Шеридан стал дизайнером обложек, афиш, фотографом, режиссером видео. С 2005 года Шеридан — арт-директор группы и отвечает за все визуальные элементы.
Тур Performance 2007
У тура Performance 2007 не было какой-то специальной визуальной концепции. Группа планировала посетить как можно больше городов, где никогда до этого не бывала. Площадки были разного размера: от клубов до спортивных арен, так что NIN подстраивались и использовали разные элементы из прошлых туров.
В Европейском сегменте встречались стим-панк светильники над головами музыкантов. В Австралии и Азии на сцене появились круглые светоотражатели, похожие на современные Robe Patt.
В Москве группа выступала с экраном сзади и опускающейся сеткой спереди.
https://www.youtube.com/watch?v=wPezBJMZ4pI
Тур Lights In The Sky, 2008
В туре 2008 года Lights In The Sky группа подняла планку зрелищности своих шоу. В этой совместной работе Резнора, Беннета и Шеридана появились элементы, которые в будущем будут использованы в шоу «2013» и Tenshion 2013.
Центральным элементом сценографии дизайнеры сделали три экрана 15х5 м: две сетки Element Labs Stealth и задний экран Barco D7. Экраны перемещали по высоте и когда музыканты оказывались между слоями сеток, пространство сцены полностью изменялось.
Главной фишкой шоу стало интерактивное взаимодействие музыкантов с экранами. Студия Moment Factory помогла реализовать задумки авторов.
В некоторых песнях разработчики привязали к музыкальным инструментам запуск видеоконтента и генерацию графики в реальном времени: контент реагировал на midi и аудиосигнал. В песне Closer Резнор поет перед инфракрасной камерой, которая создает зловещее 3D-изображение его лица. С помощью датчиков движения в песне Only на экране исчезают куски графики и артист становится виден зрителю. Очень крутой ход — имитация сенсорного экрана. На песне Echoplex барабанщик подходит к сетке и руками проставляет блоки на виртуальной драм-машине. Звук воспроизводится по ходу как он вносит изменения. Как только он создает нужный барабанный луп, начинается сама песня.
До начала репетиций на реальном оборудовании, дизайнеры пять дней программировали шоу в визуализаторе ESP Vision.
Не все песни были привязаны к метроному, поэтому часть была запрограммирована по таймкоду, а некоторые воспроизводились вручную.
Лерой Беннет придумал для шоу контровую стену из приборов. Этот элемент стал узнаваемым почерком группы. Дизайнер собрал семь панелей, в каждой по 16 приборов Martin MAC 300 LED. Задник поднимался и опускался по ходу концерта, меняясь положением с контровым экраном.
Для управления светом использовали пульты GrandMA. Видео управлялось медиасерверами Green Hippo Hippotizer.
Шоу входит в список Топ-10 шоу всех времен и народов по версии журнала Live Design.
https://www.youtube.com/watch?v=Bmxt7ORGFVo
Интересная история связана со съемкой этого шоу. Режиссер Джеймс Кэмерон должен был снять 3D фильм-концерт. Лейбл NIN Interscope Records до последнего не выдавал внятного решения и в конце-концов вообще завернул эту идею. Раздосадованный Резнор анонимно «неизвестной группой диверсантов» организовал съемку трех последних концертов тура. Материал на 400 Гб Резнор выложил в торрент-треккер и предложил фанатам делать с этим рождественским подарком что угодно. Фан-сообщество This One Is On Us смонтировали видео, которое вместе с другими мультимедийными материалами вошло в фильм Another Version Of The Truth на трех DVD.
Тур Wave Goodbye 2009 года был для группы прощальным на некоторое время. Резнор пожелал сделать что-то непохожее на предыдущее шоу с экранами.
За основу взяли мотивы туров With Teeth 2006 и Performance 2007 годов и получилось такое олдскульное рок-шоу на «парах».
Шесть длинных ферм в глубь сцены, контровая стена из паров, блайндеров и стробов. Никакого цвета, никаких экранов и голов — все в теплом ламповом. Только в конце тура по америке на контровой стене появились диодные rgb-панели.
https://www.youtube.com/watch?v=9lacSdX00nY
Тур Twenty Thirteen (2013)
Первый тур в поддержку нового альбома после четыхлетнего перерыва в гастролях назывался Twenty Thirteen (2013). Первая часть тура проходила по фестивальным площадкам.
Беннет придумал наброски концепции дизайна и передал ее для обдумывания Шеридану и Резнору. Делать что-то сложное по сценографии не было возможности, фестивали не позволили бы развернуться. Дизайнеры приняли решение использовать только напольное пространство сцены.
Беннет был вдохновлен фильмом Talking Heads «Stop Making Sense» 1983 года, где пространство сцены и декорации появляются и меняются по ходу концерта. Так появились передвигающиеся экраны и эффекты с силуэтами музыкантов в начале шоу.
По доброй традиции Беннет сделал убийственный задник из приборов: 144 стробоскопа SGM X-5, Sharpy и воши Mac Aura.
Шоу начинается с игры тенями музыкантов на закрытые тканью экраны и большой задник.
Сетки по ходу концерта раскрываются постепенно: сначала они как световые приборы показывают сплошные цвета в общий тон песни.
Затем их двигают по сцене, составляют в единое полотно или задвигают и работают только со светом.
Шеридан с Moment Factory использовали Кинект камеры для создания интерактивных моментов в видеоконтенте и инфракрасные камеры для крупного плана артиста.
С этим шоу группа сыграла 14 концертов на фестивалях в Азии, Европе и Америке.
Мое любимое шоу Tension 2013 было логическим развитием фестивального дизайна. Беннет захотел вернуться к идее с тремя экранами из тура 2008 года и вновь поиграть с 2D и 3D пространствами.
Дизайнера не устраивало, что так называемые полупрозрачные сетки на самом деле таковыми не являлись. Блоки, коммутация — все это было визуальным мусором.
Компания PRG Nocturne изготовила на заказ сетку 28 мм специально для этого тура. Ее особенность состояла в том, что вся коммутатация была спрятана в вертикальные рейки и не было массивного каркаса. Сетки выглядели безупречно: без визуального мусора проводов, с хорошей степенью прозрачности в 66%. Две сетки 16х4 были закругленной формы, задний экран PRG Nocturne V-9 LED — 21х5 м.
Беннет сохранил за задним экраном убийственную фестивальную стену из света и в этом шоу.
Дизайнер переосмыслил заново подвижные световые панели из тура Dissonance. По его словам, вначале они собирались сделать их из диодных стробоскопов. Идея использовать новые приборы Ayrton MagicPanel 602 пришла в последний момент.
Беннет собрал 14 панелей, каждая из 9 приборов матрицей 3х3. Дизайнер был доволен решением, потому что приборы могли светить тонкими лучами, как мощные квадратные источники или показывать пиксельную графику.
Шоу управляется с двух пультов GrandMA2 Full size и занимает 62 линии. Посколько в одну линию влезает только 3 прибора MagicPanel, они заняли 42 линии. Система работает на 8 NPU и 14 четырехпортовых нодов на сцене. Пикселмеп мержился по арт-нету в световой пульт из медиасерверов Green Hippo.
Программирование шоу заняло 3 недели на полностью собранной сцене. Дизайнеры не использовали визуализаторы, только MA3D в самом начале. По их словам времени, разумеется, не хватило. После первых пяти шоу дизайнеры остались на день в Кливленде, чтобы доделать программинг. Главный программист Джейсон Байери передал управление оператору Брайану Дженкинсу после 11 сыгранных концертов, когда убедился, что все идеально.
Шоу начинается с такого ужатого пространства и песни Copy of a. Панели опущены над головами музыкантов.
Постепенно дизайнеры удивляют и показывают один за другим все заготовленные визуальные приемы. Панели меняют положение и создают ощущение свободного воздушного пространства. Как рассказывает программист шоу Джейсон Байери, задача стояла удивлять не только фишками направленными на зрителя, но и сделать акцент на самих музыкантах.
В шоу Tenshion 2013 нет разграничений: вот видео, а вот свет. Ничто не перетягивает одеяло на себя. Инструменты не спорят за внимание зрителя, а взаимодействуют как единое целое. Видео используется не все время, только когда это действительно нужно для решения творческой задачи.
Независимо от года создания, в шоу NIN есть постоянные узнаваемые приемы, которые эволюционировали с развитием шоу-технологий. Они не появлялись случайно, были продуманы и использовались обоснованно.
Музыкальность Световая партитура до деталей обыгрывает аранжировки песен. Свет поддерживает и усиливает пульс, стоп-таймы, структуру произведений. Цветовые схемы сохраняют и не перебивают настроение песен.
Контрасты Шоу NIN как и сама музыка — разнообразное. Оно может начинаться с малого, раскрываться не сразу по ходу концерта. Нет задачи продать все, что есть сразу и покорить зрителя. Шоу следует за сетлистом, за музыкой и вспыхивает там, где это оправдано.
Вовлеченность артиста Люди, работающие с Трентом Резнором отзываются о нем почти одинаково. Он перфектционист. Если что-то не работает так, как он хочет — этого не будет лучше вообще. До малейших технических деталей он погружается во все аспекты создания шоу: свет, видео, конструкции. Ему важно понимать, как это работает и как это можно использовать. По словам одного из программистов, Резнор — тот вовлеченный артист, кто сидит рядом за пультом и участвует в создании световой партитуры.
Видео Группа NIN деликатно работает с видео. Резнор не смещает акценты ни на чью сторону: видео или света. Главное для него и дизайнеров — целостность шоу и передача смысла.
Фишки Группа не использует пушек следящего света. Никогда. Для освещения музыкантов, дизайнеры используют вертикально висящие приборы или приборы на полу сцены.
Кроме этого:
В NIN нет понятия «много дыма». Его ровно столько, чтобы живые позавидовали мертвым.
На сцене бывает очень темно. Меня, как музыканта удивляет их способность играть в таких моментах. Дизайнеры поддерживают агрессивные моменты строблением всей сценой. Такая выдержка меня восхищает!
Группа не жалеет зрителя. Если дизайнеру нужен контровой задник — это будет убийственная конструкция.
Тем временем в Москве
В 2016 создатели тура Тимати «Олимп» посчитали, что им подходит сценография и элементы шоу Tenshion 2013.
https://www.youtube.com/watch?v=CzIIxKYUjD0
Комментарий Лероя Беннета.Роб Шеридан, арт-директор, дизайнер сценографии и графики для видео.Брайан Дженкинс, программист и оператор пульта в туре
«Шоу по-московски» — это когда в вашем распоряжении топовые технологии и инструменты. В своем воображении вы стоите на одной ступени с мировыми туровыми шоу и уверены, что сделаете так же без репетиций и прогонов в реальных условиях.
Пожалуйста, называйте приборы о которых пойдет речь, правильно: блайндеры.
Audience blinders, сокращенно blinders. Блайндеры — заимствованный термин из англоговорящей шоу-индустрии, происходит от глагола blind и произносится как «блайнд» — «слепить».
С названием audience blinders все понятно: в переводе оно дословно указывает на основное предназначение — слепить зрителей. В английской и русской терминологии часто встречается второе название приборов: molefays, «молфеи».
Молфей — это типичный пример эпонима, когда название торговой марки становится именем нарицательным и переходит во всеобщее употребление. Среди других самых известных эпонимов — слова ксерокс, памперсы, термос, скотч. Термин «молфей» для обозначения блайндеров стали использовать для всей группы похожих приборов.
Линейка товаров под названием Molefay производится американской компанией Mole-Richardson.
Фирму основал сицилийский иммигрант Пьетро Муле (Pietro Mule), сменивший имя на Питера Мола (Peter Mole). Мол приехал в Америку в возрасте шести лет. После окончания колледжа по специальности инженер-электрик, поступил на работу в компанию «Дженерал электрик».
В 1923 году Мол перехал с семьей в Калифорнию. Первым его местом работы в голливуде стал осветительный отдел на киностудии «Метро-Голдвин-Маер», откуда позже перешел к производителю светотехнического оборудования для киноиндустрии «Креко» (Creco).
В 1927 году Питер Мол основал компанию «Мол-Ричардсон» (Mole-Richardson Company) с двумя партнерами: промышленным дизайнером Элмером Си Ричардсоном (Elmer C. Richardson) и главным студийным электриком Филдингом Си Коатсом (Fielding C. Coates).
Мол обладал инженерными знаниями и практическим опытом в производстве приборов для киностудий. Это помогло по-новому взглянуть на привычные вещи: использовать в своих приборах лампы накаливания вместо дуговых ламп. Лампы накаливания были естественней по температуре и, что оказалось важно для звукового кино, были тише дуговых.
Через 8 лет, в 1935 году компания Мола получила первую награду от Американской академии кинематографических искусств и наук за технологические достижения. «Мол-Ричардсон» первой создала световые приборы с линзой Френеля под названием Solarspot.
Во время Второй мировой войны, «Мол-Ричардсон» производила зенитные прожекторы и посадочные огни для аэродромов.
Компания «Мол-Ричардсон» прошла долгий путь вместе с американской киноиндустрией, получила признание и известность за разработку приборов с лампами накаливания. Фирма существует до сих пор, производит современное съемочное оборудование на светодиодах и металлогалогенных лампах.
Molefay — зарегистрированная товарная марка линейки приборов заливающего света с лампами накаливания, которая производится и сегодня. Молфеи используют в качестве блайндеров во многих мировых турах, их легко узнать по бордовому цвету корпусов.
У меня есть своя версия этимологии названия. Составное слово получилось из двух частей: «mole» и «fay». Первая часть это название компании, а второе скорее всего обыгрывает внешний вид прибора. Глагол «fay» переводится как «подгонять, плотно насаживать». Наверное имелись ввиду плотно установленные ряды ламп.
Блайндеры — это красиво
Я люблю блайндеры. Как функциональные приборы, блайндеры безупречно решают задачу равномерной заливки зрительного зала для общения артиста с публикой.
Использовать блайндеры в качестве инструмента для творчества — одно удовольствие. Лампы горят приятной температурой для глаз и контрастно выделяются на фоне диодных приборов. Назовите хоть что-то сексуальнее стены из блайндеров или подобных им ламповых приборов за спинами музыкантов. Силуэты артистов в пылающем контровом освещении и дымке создают неповторимое старое доброе роковое настроение. Крутость блайндеров и похожих ламповых приборов в том, что их можно эффектно использовать и без дыма. У блайндеров приятное плавное возгорание и затухание ламп.
Блайндеры десятилетиями используются на концертах и выработали у зрителя рефлекс, стереотипную реакцию. Если зажглись блайндеры — поднимай руки, хлопай, допевай фразы из песен. Такое рефлекторное действие не нужно никому объяснять, оно работает на интуитивном уровне для любого зрителя во всем мире: на фестивале радио «Шансон» и на стадионном концерте «Металлики».
Тут же кроется и самое большое коварство блайндеров. В неопытных шаловливых руках ими очень легко заебать зрителя.
Используйте блайндеры осмысленно
Обращали ли вы внимание, что когда стоите за пультом, у вас занижен порог раздражительности от яркости приборов? То, что кажется вам допустимым по интенсивности светового потока, режет глаза стоящим рядом людям.
У меня есть этому объяснение. Во время концерта внимание концентрируется на органах управления пульта и перемещении артистов по сцене. Вы фокусируетесь на событиях на сцене, мозг сужает поле обзора и создает что-то похожее на туннельный синдром. Из-за того, что блайндеры оказываются в области периферического зрения, их чрезмерная яркость не вызывает у вас дискомфорта.
Сцена глазами зрителя
Сцена глазами световика
Другое дело — зритель. Он наслаждается деталями. Если наскучило смотреть на артистов, его взгляд перемещается на элементы сценографии, на свет. Зрительское внимание во время концерта чем-то похоже на работу автофокуса в фото- видеоаппаратуре: фокусировка происходит на самый контрастный объект в кадре. За доли секунды, когда вы мигнули блайндерами, зритель автоматически перевел взгляд на них и получил неприятные ощущения.
Главная ошибка художников по свету заключается в использовании чрезмерной яркости блайндеров. Они оказываются в зоне периферического зрения и воспринимаются неверно.
Другая ошибка состоит в непродуманном и частом использовании блайндеров.
Что делать?
Я наблюдал за публикой на своих концертах и запоминал ощущения, когда был на других концертах в качестве зрителя. Мои советы коллегам:
Не используйте блайндеры на 100% яркости. Ваше восприятие яркости не совпадает с ощущениями зрителя. Соизмеряйте размеры концертной площадки, количество блайндеров и их яркость. В зале не нужна полная яркость, в то время как на стадионе ее может быть даже недостаточно.
Сделайте мастер интенсивности на группы блайндеров. Во время мероприятия мысленно меняйтесь ролями со зрителем и смотрите на сцену его глазами. Ужмите интенсивность группы, когда нужно.
Не используйте блайндеры слишком часто. Простота приема сбивает дизайнера с чувства меры. Я постоянно вижу, как коллеги отбивают блайндерами строчки песен и делают акценты чуть ли не на каждую сильную долю.
Блайндеры — примитивный и эффективный инструмент в шоу. Такая доступность может и навредить.
Реакция публики на вспышки блайндеров провоцирует неопытных художников на частое повторение этого приема. Чрезмерная яркость и частота использования может испортить зрителю впечатление от всего шоу.
Вы еще сомневаетесь как верно называть блайндеры?
Поживите в мире лингвистов-световиков у которы блайндеры — «блиндеры».
35 лет назад, 25 сентября 1981 года произошло событие, которое навсегда изменило индустрию шоу-технологий. Группа Genesis, на стартовом концерте тура Abacab, использовала первые в мире поворотные световые головы Vari-Lite VL1.
Том Литрел (Tom Littrell) — был первым оператором компьютерного пульта, который управлял сразу несколькими атрибутами прибора: интенсивностью, цветом, движением по панораме и наклону, формой луча и рисунками гобо.
Тому показали статью и он сделал это селфи для моего блога
https://youtu.be/X8fWptWcBGw
Showco
Все началось с даласской компании Showco. Ее основали в 1970 году два партнера: музыкант Расти Брутче (Rusty Brutsché) и студийный звукоинженер Джек Максон (Jack Maxson).
Джек Максон (директор/FOH инженер), Джек Калмс (со-основатель и президент) и Расти Брутче (директор/FOH инженер)
Компания начиналась буквально в гараже у Максона с двух акустических систем и пары грузовиков. Они занимались прокатом звукового оборудования и обеспечивали стадионные рок-концерты.
Среди их клиентов сразу оказались известные группы, в том числе Led Zeppelin. Компания быстро росла и в 1972 году стала заниматься световым оборудованием.
С ростом конкуренции в конце 70-х, компания искала новые возможности для расширения: в частности в плане света. Парк быстро устаревал и расходы не позволяли постоянно его обновлять.
В эти годы концертное световое оборудование было громоздким и сложным в использовании. Несколько тысяч паров нужно было подключить, сгруппировать, направить и зафильтровать нужными цветными пленками.
Многие дизайнеры шли на хитрость и имитировали движение голов световыми пушками с живыми операторами.
Производители прорабатывали различные идеи для задачи смены цветов на приборе: это были разные навесные колеса и скроллеры. Это все было не то. Пленки выгорали, выпадали, а скроллеры и колеса застревали во время смены цветов.
В Showco был сильный отдел новых разработок. Команда инженеров компании под руководством Джима Борнхорста (Jim Bornhorst) искала альтернативные пути цветосмешения в приборах и вышла на идею использования дихроичных стекол и металлогалогенных ламп. Совместив эти технологии, получались насыщенные цвета с множеством оттенков, что было недостижимо с внешними фильтрами. При этом цвета могли меняться мгновенно.
Это могло бы оказаться тупиком развития, если бы не один судьбоносный совместный обед. Осенью 1980 года, в ресторане собрались Брутче, Максон и Борнхорст с командой разработчиков. Они обсуждали создание нового светового прибора с дихроичными фильтрами. В ходе разговора Максон добавил: «Два мотора и свет будет двигаться…». Это и стало точкой отсчета новой эры.
VL Zero
Проектная команда под руководством Джима Борнхорста в составе Тома Волша и Джона Ковингтона, инженеров по электронике, а также Брукса Тейлора, программиста софта для пульта, приступила к работе.
Джон Ковингтон, Джим Борнхорст, Брукс Тэйлор, Том Волш
За 12 недель, к декабрю 1980 года, был готов первый прототип, который позже получит название VL Zero.
В прототипе использовалась лампа для слайдовых проекторов General Electric Marc 350. Цвета смешивались вращающимися дихроичными фильтрами на пути светового потока. В дальнейшем компания отказалась от плавного смешения в спотах, а технология была перенесена в вош-приборы.
Genesis
Для нового прибора нужны были инвестиции и убедительный пример использования. Showco собиралась показать новинку Led Zeppelin, но планы нарушила смерть барабанщика Джона Бонэма в октябре 1980 года и распад группы.
В это же время среди клиентов Showco была английская группа Genesis. У них была репутация группы, заинтересованной в поиске и использованию новейших идей для своих шоу.
Было принято решение лететь в Англию для презентации прототипа. Группа готовилась к новому туру и репетировала на своей загородной студии Shepperton Studios в старом сарае.
Прибор был собран кустарно: на деревянной плате, без креплений для подвеса. Разработчики просто пригвоздили прибор к балке для показа. Прототип был запрограмирован на демонстрацию всего двух действий: смены цвета и движение.
Майк Резерфорд
«Я ожидал смену цвета, но, чтоб вас, я и не думал, что он будет двигаться», — первым воскликнул гитарист Майк Резерфорд (Mike Rutherford). Этой презентации было достаточно, чтобы менеджер Genesis Тони Смит инвестировал в разработку.
Группа была поражена и сразу попросила 50 экземпляров. Брутче ответил: «Хорошо, но нам нужен миллион». Группа: «Отлично, но мы хотим быть партнерами и эксклюзивно использовать их несколько лет».
Showco ехали в надежде получить предоплату в счет будущего проката для туров, а возвращались домой с чеком на 1 млн долларов. В самолете Джим Борнхорст выдал оглушающую новость: вращающиеся фильтры были совершенно не готовы. Разработчикам предстояло создать систему цветосмешения с нуля к началу тура Genesis.
К работе приступили немедленно и она включала создание целой системы: приборов, электрики, передачи сигнала, пульта управления.
На концерте 25 сентября 1981 года в Барселоне, Genesis поразила зрителей: 50 инновационных приборов VL1 с пультом Series 100 совершили переворот в концертном мире.
«Мы специально запрограммировали несколько первых песен в статике. И тут мы просто меняем положение всех приборов, лучами по зрителям. Тысячи испанцев вскочили в истерике. Было ощущение, что открылась преисподня!
Было много страшных моментов. У приборов была куча проблем, в основном механических. Мы снимали, чинили и вешали их на прежнее место. Но все это меркло по сравнению с эффектом. Движение и цвета были невероятными.
Ну и самое смешное: все мы были звукоинженерами по профессии!»
Джим Борнхорст
Новое направление было выделено в отдельную фирму, название для которой придумал менеджер Genesis Тони Смит — Vari-lite.
«Мы создавали VL0, чтобы сократить количество приборов в шоу, уменьшить занимаемый объем в грузовике и вес. Вместо 100 паров каждого цвета: красного, синего, желтого и зеленого, мы хотели брать в дорогу 100 приборов, которые могли быть любым из этих цветов. Мы рассчитывали, что 100 приборов заменят 400, монтаж-демонтаж будет быстрый и простой. А в реальности все захотели таких приборов столько же, сколько паров и даже больше.»
Джон Ковингтон
Vari-Lite VL1
Приборы VL1 имели дихроичные фильтры, размещенные на трех колесах, по 7 цветов на колесе и 1 открытое. Прибор менял цвет за 0,1 секунды. На четвертом колесе располагались 5 апертурных отверстий и 2 гобо. Интенсивность управлялась ирисом спереди головы.
Голова поворачивалась на 180 градусов за 2 секунды. VL1 питалась и управлялась по общему кабелю. Вначале в нем стояла проекторная лампа GE Marc 350, которая позже из-за перегрева была заменена на менее мощную Philips MSD 250 и в конечном счете на Osram HTI 250.
https://www.youtube.com/watch?v=jTcpQ-UqAkU
За годы производства с 1981 по 1984 было создано 860 голов. Большинство из них не сохранились, а несколько рабочих экземпляров хранятся в компании PRG.
Пульт
У пульта серии 100 по сути никогда не было никакого названия. Он просто назывался «Пульт Vari-lite». Консоль работала в режиме кроссфейд (X-fade), позволяла создавать чейзы и управлять 8 группами интенсивности (Matrix).
Пульт не имел никаких накопителей, только внутреннюю память, и поддерживал запись 256 кью, из которых 16 были отведены под матриксы. Дополнительно на пульте были 16 кнопок, на которые можно было записывать цвета и еще 16 кнопок для записи групп приборов. Любым прибором можно было управлять в ручном режиме. Головы управлялись по собственному протоколу: стандарт DMX был принят в 1986 году.
Я вижу это очень символичным, что родился в год создания VL1 и являюсь ровесником выдающейся технологической революции Vari-Lite.
В прошлый раз я собрал список литературы для увлеченного концертного светодизайнера. В этом материале я буду публиковать концерты и все, что считаю обязательным для просмотра. Добавьте страницу в закладки, я буду ее периодически дополнять.
Все чаще встречаю в речи неологизм «насмотренность». По аналогии с начитанностью, это новое слово определяет развитие в себе хорошего вкуса и визуальной эрудированности. Насмотренность помогает отличать в дизайне дрянь от выдающейся работы. А мы, напомню, занимаемся прикладной деятельностью, а не создаем самостоятельные художественные произведения. Мигающие и меняющие цвет лучики не могут жить без музыки.
Все, что попадет в ваше поле зрения, формирует вкус и систему ценностей. Настаиваю, что важно смотреть не только признанные шедевры, но всякое говно. Так вы создадите в себе своего рода измеритель ценности, в котором будет оценочная шкала и с отрицательными значениями.
Хороший концертный светодизайнер обязан ходить на концерты и смотреть их в записи. Здорово, что современные нормы поведения на концертах подразумевают не получение удовольствия от шоу, а бессмысленную съемку на мобильный телефон.
Благодаря этому мы получили неиссякаемый источник видео, снятых из зала. Мы можем побывать на грандиозных шоу и увидеть их примерно такими, какими они задумывались авторами, а не в виде монтажа из крупных планов рук гитаристов.
Увидел? Повтори!
Недостаточно просто посмотреть и запомнить классный визуальный прием. Сядьте и воспроизведите его за пультом, чтобы он намертво отложился в голове и в руках. Таким методом вы накапливаете в голове библиотеку готовых идей и конкретные способы их реализации.
Это как учиться рисования по видеоурокам. Кажется все таким понятным и простым до того момента, пока вы не попробуете это повторить с карандашом в руке.
Стартер пак
Потрясающих концертов слишком много. Тут я хочу поделиться самыми главными и свежими концертами, просмотр которых наверняка сделает вас круче. Погнали!
Создатели шоу демонстрируют, насколько глубоко можно обыграть аранжировки и настроение песен визуальными средствами. Шоу NIN агрессивное и музыкальное. Ничто не перетягивает одеяло на себя: все части шоу собраны в одно целое музыкально-визуальное представление.
И главное, Tension 2013 дает представление как работать с самым мощным инструментом светодизайнера — с темнотой.
Это эталонный пример, что на съемке концерта можно не освещать лица музыкантов по телевизионным методичкам, не заливать зрительный зал и земля при этом не сойдет с орбиты.
Гэбриел — один из немногих музыкантов, одержимых визуальным оформлением своих концертов. В этом концерте нужно обратить внимание на великолепную работу с пространством сцены, подвижными элементами и видео. Пример того, как не выдавать все сразу, а вводить элементы шоу постепенно. Обратите внимание, что до определенного момента даже не понятно, что появится экран.
Шоу состоит из трех частей. Начинается с части, которую создатели условно назвали ‘Houselights’ — включено дежурное освещение и группа играет словно на репетиции. Вторая часть ‘Kansas’ начинается внезапно посередине песни. Резко гаснет зал, а сцена становится монохромной по свету. Цвет появляется только в третьей части концерта ‘Oz’ на «красной» песне ‘Red rain’ и достигает цветного безумства в ‘In Your Eyes’.
Не, ребят, нечего комментировать, это вообще разрыв аорты. Недосягаемый уровень вкуса и изысканности. Стерильная сцена, свет, видео, сетки. А чего стоит рисованные на видео лучи от спотов в песне ‘The Sweetest Taboo’ https://youtu.be/dqo2DxUBb-o
Stromae — Racine Carrée (2015)
https://www.youtube.com/watch?v=eOZLDQm9c2E
Тут я ничего не понимаю! Не понимаю, за что и какими силами заурядному, будем говорить честно, исполнителю досталось такое шоу. Хрестоматия по режиссерской режиссуре поп-концерта, где, как у нас любят говорить, нужно в каждой песне рассказать историю. Ни одна сцена в концерте не повторяется. Только сделано это с любовью к музыке и безупречным вкусом к стилю и мелочам.
EZ3kiel — LUX Live (2015)
https://youtu.be/m2R7y8ATgwE
Художник-постановщик, VFX-дизайнер, басист, основатель группы
Французская инструментальная инди группа. Очередная и наглядная демонстрация результата, когда в создании шоу принимает участие кто-то из группы. Тут ситуация особенная, дизайном шоу: начиная со сцены и до написания специального софта для приборов Ayrton MagicPanel занимается один из основателей группы, басист Ян Нгема. Он уже не играет на сцене, а занимается только визуальной частью в группе.
Как говорит сам Ян, в группе, исполняющей инструментальную музыку шоу имеет огромное значение. Он считает себя не художником по свету, а VFX-дизайнером.
Для этого шоу он сам запрограмировал софт, который управлял приборами Ayrton. Все самые сочные эффекты идут не со светового пульта. Он придумал наклеить с обратной стороны приборов белые пластины и проецировать на них видео. Не удивлюсь, если после этого и появились приборы Dreampanel Twin.
И еще одна важная вещь. Все шоу воспроизводится вручную, никакого таймкода. Немыслимый уровень музыкальности и глубины визуализации аранжировок.
Роджер Вотерс — настоящий диктатор, когда дело касается шоу. Я брал интервью у турового светодизайнера Придери Баскервиля, он расказывал, что Вотерс вмешивается абсолютно во все и бесконечно доводит шоу до идеала. Это объясняет, почему почти все концерты из списка в этой статье такие вдохновляющие.
Я был лично на этом шоу в Москве и ничего безупречнее этого я в жизни не видел. Эталон работы со светом, видео, аймагом и сценическими конструкциями.
Ну и чтобы два раза не вставать, обязательно к просмотру музыкальный спектакль The Wall (2013).
Вот это отличный пример, когда группе не нужно никакое «шоу». Четыре величайших музыканта играют инструментальную музыку и больше всего хочется, чтобы ничто от них не отвлекало. Сзади только градиентное меняющее цвет полотно, которое обыгрывает разноцветную обложку альбома и название группы. Все! Идеальное шоу без «шоу».
Always light the money, как говорит главред PLSN Нук Шунфилд. Светодизайнер этого концерта прежде всего решил первичную задачу: осветил музыкантов и не перетянул одеяло на себя. Блеск!
Maroon 5 — Maroon V Tour (2015)
https://www.youtube.com/watch?v=iNM6-n5FeJo
Не самый удачный ракурс, но полистайте еще ютубчик по запросу Maroon V Tour 2015, по обрывкам можно сложить впечатление.
Фильм, как Бейонса готовится к фестивальному концерту и как вовлечена во все детали: от аранжировок до костюмов. Homecoming: A Film By Beyoncé https://www.netflix.com/title/81013626
Дизайнеры
Заходите к ним почаще, разглядывайте портфолио. Это прям крутыши, которые делают 90% всех мировых туров.
Мое любимое шоу Tension 2013 появилось не само себе из воздуха и воображения дизайнеров. В нем сохранены и обыграны элементы, находки, которые группа использовала на своих концертах с 1994 года.
Эта статья отвечает на один из самых распространенных вопросов: что прочитать, чтобы стать концертным светодизайнером или прокачать свои навыки. Занесите в закладки, эта страница будет постоянно обновляться и дополняться.
Если коротко — ничего. Но давайте разбираться. Наша деятельность, в отличии от театрального освещения, пока лишена методологии и скорее похожа на шарлатанство. Слепи как угодно, все равно никто не способен обосновать свои художественные приемы. Никакой литературы, объясняющей как правильно мигать и мотать светом под музыку нет.
В принципе, тому есть оправдание: концертный светодизайн очень молод. Если первая поворотная голова появилась только в 1981 году, то история сценического освещения в театре началась в начале 16 века. Это еще не считая того, что театральный художник по свету работает с режиссером, художником-сценографом, костюмером и все они могут влиять на световую партитуру. В концертном мире чаще всего мы один на один с артистом.
Нашим зарубежным коллегам повезло чуть больше. Они этим занимаются дольше и у них есть явные признаки зарождающейся методологической базы: например выставки, специализированные журналы и премии. Что касается образования, сколько я не разговаривал с разными иностранными световиками, они говорят что у них нигде не готовят именно концертных светодизайнеров.
Я разделил всю литературу, что может относится к концертному свету на две части. Это прежде всего базовые знания о сценическом освещении: история театрального света, оптика, цвет, светотехника — без этого никуда. И периодические издания про концертную индустрию — единственный источник новостей, знаний и чужого опыта.
Приятного погружения!
Книги
Дамир Исмагилов и Елена Древалева «Театральное освещение» Второе издание, 2014 г.
С этой книги стоит начать каждому, кто планирует заниматься светом. Титанический труд от двух патриархов театрального мира. Дамир Исмагилов – главный художник по свету Большого театра, Заслуженный деятель искусств России. Оформил более 450 спектаклей на многих театральных площадках России и за рубежом. Елена Древалёва — художник по свету Большого театра, преподает в Школе-студии МХАТ на курсе «Технология художественно-светового оформления».
Если не знаете, что подарить самому себе или знакомому световику — дарите эту книгу. Это иллюстрированный альбом, настольная книга для бесконечного любования иллюстрациями и источник энциклопедических знаний про свет: от истории театрального освещения до пультов.
Британский журнал, издается с 1998 года. Есть братское издание по Ближнему востоку и Африке TPMEA (Total Production Middle East & Africa). Журнал предлагает приложение для мобильных и возможность скачать архивные номера в pdf.
С 2002 года журнал проводит премию в области шоу-индустрии TPi Awards.
У журнала длинная история с 1967 года. Под названием Live Design издавался с 2005 до 2013 год. В 2014 году журнал стал выходить только в цифровом виде на сайте и в мобильном приложении. Последний номер вышел в сентябре 2017 года. С тех пор журнал переформатировался в новостной портал, где публикуются статьи, интервью, описания шоу с кучей фотографий и схем. Бесценный источник информации!
С 1988 года компания проводит ежегодную выставку LDI в Лас-Вегасе.
Live Design является организатором престижной премии LDI Awards.
Журнал принадлежит британской компании PLASA (Professional Lighting and Sound Association). Издается с 1985 года и выходит 11 раз в год. Можно установить мобильное приложени или скачать номера в pdf.
С 1977 года компания проводит в Лондоне выставку PLASA Show.
Скулить, что «ну вот, все журналы по-английски, а я немецкий в школе учил» запрещаю! На дворе 2020 год, даже копипастить текст в переводчик не нужно. Навел камерой телефона на экран и получил моментальный перевод.
