Прямая трансляция концерта на большие экраны называется IMAG. Это аббревиатура от словосочетания image magnification, что в переводе «увеличение изображения».
Недостаток больших стадионных концертов в том, что зрители на дальних местах не видят артистов. Трансляция крупных планов на экраны приближает действие на сцене к публике. Это главная задача IMAG-трансляции.
Люди любят смотреть на людей. Для полной вовлеченности в концерт, зрителю нужно показать эмоции артиста: мимику, жестикуляцию, глаза.
В театре вместо «аймага» бинокль. Экраны засветили бы зал, да и как организовать трансляцию с большим количеством актеров и диалогов.
Люди любят смотреть на людей.
IMAG — это модно
IMAG-трансляция появилась на концертах давно, как только это стало технически возможно. Изображение транслировали только на экраны по бокам сцены.
С развитием светодиодных технологий в видео, дизайнеры получили новый инструмент для шоу — экраны на сцене. Началась эпоха светодиодного видео-безумия: фоны, анимированная и абстрактная графика, клипы, генеративный контент — чего только не было. У нас, если что, экранная истерия еще в полном разгаре.
Сейчас мы живем в очень перегруженном информационном пространстве. В окружающем нас графическом шуме самым ценным элементом вновь стал человек и его эмоции.
Бессмысленная графика всех задолбала. Главная модная тенденция шоу последних лет — это IMAG-трансляция на сцене. От Металлики до Лэди Гаги.
https://www.youtube.com/watch?v=KTGGNtm8X6w
Преимуществ куча:
Зритель не отвлекается на боковые экраны, а смотрит на сцену.
Экраны не конфликтуют со светом: трансляция идет в той же цветовой схеме, что и концерт.
IMAG с наложенными эффектами выглядит интереснее бестолковой графики. Экран с живой картинкой работает как мощный контровой световой прибор. В нужном пульсе и цвете.
Невиданных высот IMAG-контент достиг в шоу Бейонсы.
https://www.youtube.com/watch?v=FH4kwwRtJ5o
За счет ракурсов, управляемой камеры на слайдере, эффектов — трансляция выглядит как заранее снятый клип.
Не только на концертах
Вместо логотипа компании и зависших слайдов на большой конференции здорово транслировать крупный план спикера. Во время вопросов-ответов переключаться на того, кто задает вопрос. Сидеть и слушать звук намного утомительнее, если нет связки с лицом выступающего.
На свадьбах и торжествах по этой же причине никто не слушает тостующих. Для них это просто шум где-то там вдалеке. Уберите на время слайдшоу с молодоженами и розочки с экранов. Покажите людей.
Как у них?
Для IMAG-трансляции большие шоу используют несколько живых операторов и фиксированные PTZ-камеры. Они удаленно управляются по панораме (P-pan), наклону (T-tilt) и зуму (Z-zoom).
Преимущество в том, что никто не мешается на сцене и исключены человеческие ошибки. Камеры расставлены в нужных местах, включаются по запрограммированному сценарию.
Сигнал с камер поступает на медиасервер, где на него накладывают эффекты. Крутой и распространенный прием — накладывать поверх IMAG-трансляции графику с прозрачными альфа-каналоами или масками.
Как у нас?
Ворованные футажи из платных библиотек. У наших коллег с ТВ слышал такой адский термин: «графика из подбора». Это когда нет ничего авторского. Режиссер или постановщик просит: «а дай что-то в синей гамме, медленное, со звездами». Оператор медиасервера копошится в своей ашановской корзине с футажами, достает примерно похожий, перекрашивает, кадрирует или что-то в этом духе. Вчера футаж крутился на поп-солянке в Сочи, сегодня на телесъемке.
Самый страшный сон постановщиков шоу — выключенный экран. Не понимаю, почему это так пугает людей, занятых в концертных шоу. Понимаю, почему это пугает людей в корпоративном ивент-сегменте. По их поверию, заказчик может подумать, что он сломался и не работает. Оплачено, а не работает, как так! Для тех и для других экран должен работать на 100% площади и яркости все время.
IMAG — это просто
Организовать простую IMAG-трансляцию просто и недорого. Для этого нужен хотя бы один оператор, карта захвата и компьютер с медиасервером.
На больших концертах «Би-2» тура The Best of, я использовал 6 операторов, каждый был закреплен за своим музыкантом. Операторами управлял режиссер трансляции и контролировал картинки по мультивьюеру. Он говорил когда дать «шейка» камерой, когда подергать зум, какой взять ракурс и как кадрировать.
https://www.youtube.com/watch?v=P87OK2Eso4E
Сигналы с камер приходили в сервер с Resolume Arena. Световой пульт был подключен к медиасерверу по эзернету, чтобы управлять интенсивностью. Во все кьюхи с эффектными стоп-таймами и swop-сценами я вписал нулевую интенсивность экранов. Оператор медиасервера переключал камеры по заранее написанной партитуре.
Задержка
Видюшники чрезмерно драматизируют проблему задержки видео. Это правда, кадры отжираются на каждом этапе прохождения сигнала. Но когда речь идет про концерт, ситуация уравновешивается звуковой задержкой.
Представим зрителя, который сидит на дальней трибуне стадиона на расстоянии 100 м от сцены. В идеальных условиях он услышит звук через 0,3 с. Если перевести это на язык видео, пока до зрителя долетит звук, он увидит 10 кадров видео. На звуковую задержку дополнительно влияет настройка звуковой системы, дилеев, задержку дают используемые аудио плагины. В результате мы имеем такой запас кадров, что картинка и звук для удаленного зрителя будут совпадать идеально.
Графика или IMAG
Я считаю, что графика нужна только в одном случае — когда без этой конкретной графики, в этом конкретном месте обойтись никак нельзя.
Хорошо использовать заранее подготовленный и продуманный видеоконтент, который усилит эмоции или передаст зрителю важную информацию. Лучшее применение большому экрану на сцене во всех других случаях — IMAG или ничего.
Если вам нечего сказать графикой — используйте IMAG-трансляцию.
Три страшных видео-греха:
Никогда не выключать экран.
Выступать на фоне логотипа группы или старых клипов.
«Шоу по-московски» — это когда в вашем распоряжении топовые технологии и инструменты. В своем воображении вы стоите на одной ступени с мировыми туровыми шоу и уверены, что сделаете так же без репетиций и прогонов в реальных условиях.
В этот раз разрушаю стереотипы, что хорошее шоу возможно только с кучей света и экранов. Для презентации нового альбома Евы Польны «Феникс» получилось изящное шоу вообще без экранов, стробов и блайндеров. Это пример того, что можно сделать только светом.
Обзорное видео:
https://www.youtube.com/watch?v=4B69ELYs61U
Концерт полностью:
https://youtu.be/hqfG-njH90U
Фото:
Вот, кстати, и хороший повод попробовать разобраться, что такое «хорошее» шоу и что его таким делает. Я сам нахожусь в поиске формулы хорошего концертного шоу. Сейчас, когда я пишу этот текст, у меня уже есть несколько известных ингредиентов.
Артист
Для хорошего шоу нужен артист, который врубается, зачем это все нужно. Он знает, что шоу нужно, чтобы визуальными средствами усилить эмоции от музыки.
Вообще, я всех артистов условно делю на две категории: кто уже понял, насколько шоу-технологии важны и тех, кто этого еще пока не понял. Отдельно с большим сочувствием отношусь к артистам, которые вроде бы хотят в этом разбираться и выглядеть круто, но их раз за разом дурят создатели «шоу по-московски».
Без участия артиста никакой магии не случится. Понятное дело, артист не должен вмешиваться во все детали производства, типа выбора того или иного пульта. Но ему виднее, какую эмоцию он желает передать песней и как отреагирует публика.
Заинтересованный артист чувствует, что из предложенных решений подойдет для шоу. Даже если ему сложно объяснить это языком шоу-технологий, то для этого мы выступаем как переводчики. Не нужно ничего угадывать вслепую, артист сам расскажет все мелочи: о чем песня, на что сделать акцент, что происходит в тот или иной момент на сцене с музыкантами и прочее.
Идеальный артист дает свое видение, высказывает пожелания и доверяет их перевод в визуальный формат шоу.
Я очень счастливый человек, потому что мне особенно повезло с «Би-2» и теми исполнителями, с кем я сотрудничал как приглашенный дизайнер. Они запарены на том как все должно выглядеть и при этом полностью доверяют.
Ева Польна и ее менеджер Саша Мания именно такие. На первой же встрече они сообщили, что доверяют нашему видению, а все пожелания касались только ограничений. Они точно знали чего не хотят. Ева была против экранов с мерзкой и бессмысленной графикой «из подбора».
«Подбор» — телевизионное жаргонное определение. Это когда оператор медиасервера или режиссер на свой вкус, прямо на коленках, выбирают и запускают видеоролики под песни. Чаще всего это огромная накопленная годами библиотека футажей, в том числе ворованных. В лучшем случае они перекрашивают ролики, накидывают на них разные эффекты или совмещают несколько наложением. Так было на прошлых крокусовских концертах. Адище! Лучше вообще без видео, чем такое.
Другое ограничение касалось общей стилистики шоу. Ева не хотела никакой старческой псевдоэстетики, как принято делать на концертах див: как бы барокко, бархат, люстры, лампы накаливания, торшеры, висюльки разные. Она хотела лаконичное и холодное настроение. Ева описала это словом «техногенное шоу».
Музыка
А может быть и так: артист сколько угодно крутой, прекрасный человек и шарит в шоу-технологиях, но музыка у него, чего говорить, говно полное. Ну не нравится и все тут. Не знаю как решают эту проблему мои коллеги, но со мной такое не пройдет, я пробовал. Хорошее шоу выйдет, если музыка как минимум не вызывает отторжения.
Это только звучит так просто: сесть и запрограммировать мигание диодов в такт музыки. На деле предстоит слушать одни и те же песни по много десятков раз. Нужно перематывать раз за разом куски песен и проверять, например, соответствие музыкального куска таймингу кьюхи. Не успеваем за 2,2 секунды поднять споты до припева, перематываем, слушаем, ставим 2,6. Снова слушаем, вот теперь точно.
Мало кто знает, что Ева Польна автор своих сольных песен и песен «Гостей из будущего», это вызывает уважение.
Все, кто имеет отношение к музыкальной индустрии не мыслят обывательскими штампами «фу, это попса». Профессионально видеть глубже позиционирования и оценивать качество музыкального продукта в деталях: композиция, поэзия, исполнение, аранжировки. Мне нравится, как делает музыку Ева Польна.
Когда мы садимся программировать шоу, мы заранее договариваемся о правилах игры. В этот раз мы часто использовали цвет как средство выделения. Переход одной структурной части песни на другую происходил через смену цвета, например, куплет (синий) — припев (белый) — куплет (синий). Или припев (лаванда) — бридж (СТО) — припев (лаванда). Как и раньше, мы не мотали головами просто так от творческого бессилия и не пульсировали четными-нечетными группами в танцевальных песнях.
Визуальный баланс между танцевальными и лирическими песнями мы сохранили за счет других инструментов, благо их полно: эффекты на цвет, пульсирующие диммерные эффекты, смена положений, разные фейды с задержками. Ну и с большим удовольствием мы использовали самый мощный инструмент светодизайнера — темноту. Мы сделали очень контрастное шоу, которое подчеркивает и усиливает все аранжировочные вкусности.
В этом шоу было много синего цвета и его оттенков. У нас вообще нет такого загона «много синего». Типа вот предыдущая песня была в синем цвете, значит следующую сделаем красной или розовой для контраста, чтобы не было скучно. Если надо, и это подкреплено художественным обоснованием, весь концерт может быть сделан в одной цветовой схеме. Скучно не будет.
Мы программировали шоу, чтобы воспроизводить его по таймкоду. Для визуализации использовали Визивиг R39. Очень здорово, и спасибо Алексею Леонову, что мы вписались программировать на складе у Лазертинетикс. У нас были реальные приборы под рукой и мы сразу корректировали значения атрибутов.
https://www.youtube.com/watch?v=_8HT-dB5RLs
Как и всегда больше всего я запарен на музыкальности шоу. Мы тщательно относимся к аранжировкам. Мне нравится обыгрывать структуру песен, все аранжировочные ходы, паузы, затакты, клэпы.
Дизайн
Дизайн хорошего концертного шоу — это не просто чтобы было красиво, а решение задач. Дизайн должен быть подкреплен обоснованием и смыслом. Хороший дизайнер способен объяснить целесообразность каждого использованного художественного приема, не укрываясь за отмазками «я художник, я так вижу».
На конечный дизайн влияет не только креатив авторов, но и земные факторы: бюджет, технические параметры площадки, сроки. Говоря про дизайн, я имею ввиду не то, как раскидать фермы в пространстве и нашару навесить приборов. Речь обо всем: почему выбраны именно такие приборы, как использовать видео и надо ли вообще, как запрограммирован свет. Короче, главный вопрос в дизайне — «зачем?».
С Евой Польной у нас не было никаких жестких требований по дизайну, кроме видео и ограниченного бюджета. Мы искали от чего можно оттолкнуться и остановились на названии концерта — «Глубокое синее море».
Морские ассоциативные образы очень яркие: волны, паруса, корабли, глубина, синий цвет. Как и сама музыка: глубина, звуковые волны, динамические перепады.
Дизайн очень точно передал идею. В центре — конструкция из полукруглых ферм, которые имитируют гребень волны. Волны словно захлестнулись и выносят вперед артистку с музыкантами к залу. По бокам дизайн уравновешивают полукруглые арки, похожие на паруса.
Мы не подсвечивали фермы изнутри, а чтобы форма изгибов была видна с любой точки зала, разместили по контуру ферм короткие четырехпиксельные палки Chroma-Q Color Block 2.
Дима предложил визуально усилить центральную конструкцию приборами с плоским сфокусированным лучем. Для этого идеально подошли диодные палки GLP impression X4 Bar 10. Они быстро двигаются по тилту и в минимальном зуме фокусируются в тонкую, как лезвие, полоску света. В расфуфыренной позиции длинные лучи повторяли скругленную форму конструкции, визуально как бы увеличивая ее в размерах. Движением по тилту мы подчеркивали музыкальные фразы. Кроме палок на «волне» еще висели 12 Мифосов.
Мы использовали воши Martin MAC Quantum для контрового освещения оркестра и музыкантов. Воши Martin MAC Aura больше выполняли художественную задачу. Они участвовали в эффектах и смене световых картин по положению.
Напольная и нижняя контровая область сцены закрывалась еще 14 спотами. Сверху мы повесили 9 спотов Martin MAC Viper для эффектных проходов через зал — лучше них ничего нет для этих целей.
Для освещения Евы мы использовали две контровые пушки и две фронтальные.
Мы не использовали в шоу стробоскопы, блайндеры, бимы. Почему? Просто не нужно.
Вкус
Чтобы сделать хорошее шоу, нужен хороший вкус. Ингредиент, который сложно классифицировать, но зато его отсутствие сразу бросается в глаза. Хороший вкус — не врожденное качество. Философы описывают его как способность быть избирательным, судить о прекрасном и уметь сложить о нем свое мнение.
Такую способность дает гуманитарная эрудиция, образование, воспитание, изучение искусства. На формирование вкуса влияют национальные культурные особенности и социальный статус в обществе. Тут, конечно, я бы мог вставить примеры, но меня за это пригласят в тюрьму за шовинизм, пропустим :-). В противоположность этому безвкусица — это неразборчивость и всеядность, когда нравится все подряд: и Юра Шатунов и Металлика.
Художнику по свету нужен хороший вкус, чтобы пропустить через себя музыкальный материал и визуализировать его наиболее понятным для аудитории способом. В этот момент внутри музыка цепляется за все, что сформировало хороший вкус в человеке и обрастает визуальными ассоциативными образами. Чем больше таких зацепок, тем круче шоу.
Совместно с Дмитрием Буряком создали шоу по таймкоду для группы «Моя Мишель». По нашим данным, мы одними из первых в мире использовали на концерте новые приборы Clay Paky SharBar.
Совместно с Дмитрием Буряком подготовили шоу для первых сольных концертов Михаила Бублика в Москве. Почти 30 песен по таймкоду без мадженты и мотаний головами.
11 ноября 2018 года в Москве прошел концерт тура Стинга и Шэгги Sting & Shaggy: The 44/876 Tour.
Концерты Стинга — сладкий сон любого промоутера. Продакшен тура вывел какую-то секретную формулу, где качество и степень удовольствия от концерта никак не зависит от количества света и экранов.
Туры Стинга сами по себе — эталонный пример, как можно решить художественные задачи малыми средствами, ничего не испортить и создать впечатление, что именно так и задумано.
Хочу поблагодарить продакшен-менеджера российского отрезка тура Григория Андропова, благодаря ему я словно посмотрел документальный фильм про большие шоу на юутубе. Я провел на площадке весь день, с момента сбора сцены до выхода последнего зрителя из зала и если меня попросить описать увиденное парой фраз, я бы сформулировал это следующим образом: спокойствие и внимание к мелочам.
Огромное удовольствие доставило общение со светодизайнером Стинга Дэнни Ноланом и я хочу разделить его с читателями. На самом деле поразительно, сколько всего, что он сказал совпадает с моим видением.
— Прежде всего хочу сказать, что считаю вас королем освещенных задников и я ваш ученик!
— Спасибо! Но все, что я делаю, это так просто! Я просто беру обычную черную ткань и собираю ее в складки, чтобы получить больше теней и вид классического театрального задника.
Фото: Сергей Куксин/ РГ
Фото: Сергей Куксин/ РГ
— Это вы работали со Стингом на прошлых концерте в Олимпийском?
— Да, я работаю со Стингом 11 лет. Начал с тура Police Reunion Tour, потом я делал тур с оркестром Symphonicity.
— Это тот, что с видео-коробами?
— Да, я был дизайнером всей сценографии: квадратов с видео, шарнирных конструкций. Потом был тур Back to Bass, 57th & 9th Tour и сейчас тур с Шэгги.
— Пожалуйста, расскажите о себе
— Я Дэнни Нолан, светодизайнер. Я начинал в 80-х годах, кажется в 85 у меня был первый тур.
Я учился в Торонто в колледже на графического дизайнера. Помню свои первые походы на концерты, я видел в свете что-то более завораживающее, нежели то, что я делал в графическом дизайне. В свете два аспекта: вы располагаете приборы в пространстве и представляете что они будут делать. Вы начинаете с черного кабинета, а далее с помощью света вы должны создать глубину, объем, настроение.
— Помните свой первый концерт?
— Я начинал в лондонской компании Zenith Lighting и моя самая первая световая работа была пушкарем на стадионном концерте Queen.
Первый настоящий тур у меня был с группой Cure, он длился пару месяцев по Европе. Позже у меня были более продолжительные туры, например с Крисом де Бургом и Тиной Тернер. С Тиной исполнилась моя тогдашняя мечта — оказаться в мировом туре и проехать по Америке. Я был световым техником, в большой команде. Я считаю, что светодизайнерам важно иметь как можно больше технических познаний, чтобы точно знать, чего в дизайне можно добиться от техники.
В каждом туре я был в первых рядах, чтобы поработать за пультом на разогревающей группе. Это были пульты Avolites QM500, Celco Gold. Впервые с поворотными головами я поработал на пульте WholeHog 1, когда он только появился. Я был оператором пульта у Питера Гэбриэла. Думаю в этот момент, я перестроился из технаря в дизайнера, оператора. Это была уже новая эра, можно сказать, что пульт Хог 1 стал трамплином в моей карьере.
Avolites QM500
Celco Gold
WholeHog 1
Потом я оказался в Бразилии на 10 лет, где работал в местной прокатной компании, занимался развитием бизнеса, обучением персонала. Я многому научился сам за время работы. Самое ценное, наверное, и для всех дизайнеров — опыт выжимать максимум из ничего, работать малыми средствами с минимальными бюджетами.
Мне было в то время около 35, когда я решил вернуться в индустрию в качестве светодизайнера. Я работал в Бразилии на ТВ и мне стало не хватать больших шоу и туров. Пришлось использовать старые связи и мне повезло попасть в Simply Red, с которыми я проработал 5 или 6 лет, разрываясь между Бразилией и Европой. Параллельно удавалось работать и с другими артистами. Потом по счастливой случайности мне предложили тур с Police.
Я дизайнер-минималист, я люблю упрощать дизайн, люблю делать лаконично, просто, но эффектно. Порой что-то не делать в свете даже важнее, чем делать. Куда проще пересветить, перебрать с количеством.
Все это похоже на музыку: когда вы развешиваете свет на фермах, приборы как ноты на нотном стане, между ними нужны расстояния, паузы. Не нужно забивать ферму приборами до отказа, хорошо когда есть пустое пространство — так выше читаемость каждого луча и они не спорят друг с другом.
Я часто вижу, как перебарщивают с количеством, как правило на ТВ. Включают тупо все сразу. В этом плане мне ближе наоборот выключить все лишнее.
Я люблю, когда фермы разбросаны в пространстве на разных высотах и по глубине — это дает объем. Вот что я точно ненавижу — это экраны на всю сцену. Это было круто в 2000-х, поиграли и достаточно. Экран убивает свет, делает сцену плоской. С дымом — разбеливает.
А вообще мне интересно наблюдать как все развивается. Когда я только начинал в индустрии, все сводилось только к тому, какие комбинации можно собрать из ферм: круги, треугольники, квадраты, звезды. Потом стало модно вешать сосули, палки. Сейчас модно двигать кинетические конструкции.
Мне кажется сейчас все стало очень индустриальным. Все сцены выглядят одинаково, словно сделаны в StageCo, только приделано пару элементов, чтобы отличались. Мне нравятся времена Марка Фишера, когда я участвовал в туре Роллинг Стоунс Steel Wheels. Это времена настоящей сценографии, произведения искусств в гигантском размере. Или взять Роджера Вотерса со «Стеной». Классно ведь делать что-то сложнее пресной сцены с экранами.
По свету все двигается к диодным приборам. Понятно, что они проигрывают по яркости пока, но важен баланс и совместимость приборов. Просто не нужно разгонять все до 100%, приберите яркость.
— Кто пригласил вас на работу? Продакшен или артист?
— Патрик Вудроф. Я ему многим обязан! Мы с ним очень давно знакомы, благодаря ему я попал к Тине Тернер, был проект-менеджером на многих его шоу. Патрик отдал мне Police, потому что одновременно был занят Genesis и еще чем-то. Он говорит: — Не хочешь ли взять тур Police? — Конечно, я обожаю их! — А какую часть проекта можешь взять на себя? Я отвечаю: — Я займусь абсолютно всем!
Он сам провел все встречи со Стингом и группой. По сути, он создал и утвердил с ними концепцию, а я занялся ее реализацией. Это был потрясающий тур, с величайшей группой и музыкой, на которой я вырос и которая написана на века! Я настоящий счастливчик!
— Вам нравится быть в туре?
— Да! Я люблю путешествия. И сегодня ездить в туре проще, чем когда я начинал: площадки лучше, оборудование современнее.
В последнее время мы ездим в туры, где на каждом концерте работает местная прокатная компания. Это связано с логистикой, экономией и многими бюрократическими мелочами. Поэтому я делаю дизайн, отправляю и мне собирают что угодно.
Так даже азартнее. Я могу менять Sharpy на Martin Rush или на Mac Profile — пульт позволяет это делать быстро прямо на площадке. Когда предлагают замены — я соглашаюсь. Для меня это крутая возможность попробовать новое оборудование.
— Что больше всего ненавидите в турах?
— Мало сна. Как гонка по кругу: самолет-отель-площадка.
— Опишите про свой рабочий день
— Я прихожу с утра в день концерта, чтобы вместе со стейдж-менеджером проверить, все ли в порядке. Много времени уходит на исправление шоу после смены приборов с одних на другие. Я люблю плавность в шоу, поэтому нужно проверить все тайминги: фейды, дилеи, переходы между сценами.
— Сколько времени тратите на правку позиций?
— Если я хорошо проделал предварительную работу и все приборы висят как задумано — совсем не много. У меня много пресетов для исправления, но я не схожу с ума.
После обеда я трачу время на исправление шероховатостей. После смены приборов в шоу, много что может вылезти. Все приборы со своими особенностями, реагируют по-разному. К примеру, у Sharpy кривая димера начинается на больших значениях.
Я сам управляю пушкарями. Еще я люблю следить за публикой. Я знаю что будет в тот или иной момент в программе и заранее смотрю на зрителей. Ну, вы знаете, классика: гитарное соло, весь свет на гитариста — и зритель пищит «а-а-а-а»! Они не поймут этого и не будут обсуждать свет. Но он усилил момент и они говорят: какое обалденное соло! Они никогда не скажут «смотри, какой на нем свет». Но это и круто, это то, к чему я стремлюсь — не выпячивать себя.
Я люблю монохромность в цветовых схемах, когда сцена одного цвета, максимум два.
Считаю, что свет должен следовать за музыкой, не перетягивать внимание. Сейчас так много современных поп-артистов с горой света на сцене. Но если на сцене настоящий артист, это все избыточно. Стинг — именно такой артист, это история про музыку. Свет с таким артистом должен поддерживать, усиливать музыку.
Еще я люблю подчеркивать упорядоченную структуру песен. Если в песне одинаковые куплеты и припевы, то и световые картины у меня будут повторяться. Публика слышит повторяющиеся музыкальные части и видит, что свет это подчеркивает. Наверняка они этого не понимают, но чувствуют.
— Вы играете на музыкальных инструментах?
— Нет, когда-то я играл на гитаре, но будучи левшой, это давалось нелегко. Я больше технический человек. Я считаю, что нужно следовать музыке, но не нужно подчеркивать каждую ноту отдельной кью. Нужно чувствовать нужный момент и не перебарщивать. Тут как раз тот случай, когда чем меньше, тем лучше.
— Кто ваш начальник к туре? Артист или продакшен менеджер?
— Получается у меня два боса. По художественной части это Стинг. Он очень мало вмешивается в мою работу и полностью доверяет. Забавно, но чаще всего я получаю отзывы от его родных. Они смотрят шоу и потом говорят, что было особенно круто.
— Расскажите про оркестровый тур Стинга
— Идею видеопанелей я подсмотрел в концертных залах для филармонических оркестров. Во многих залах есть специальные выдвигающиеся панели для управления акустическим звучанием.
Например, в зале Сан-Паулу, в Бразилии, где я жил, потолок представляет собой 15 квадратных панелей. Они опускаются и наклоняются для настройки оптимальных звуковых отражений. Мне очень понравилась идея перенести такие панели в шоу, чтобы они были источником света и заодно могли показывать видео.
https://www.youtube.com/watch?v=rzCbMBDCQd8
Для начала было неплохо: у меня была концепция прямоугольных подиумов и квадратных кинетический панелей над оркестром. Большое количество прямых линий, углов делало дизайн чрезмерно современным.
Надо сказать, я обожаю кинетические скульптуры. Начал копать и вышел на одного художника, Артура Гансона, который занимается созданием таких произведений, одно из которых называется «Стул».
https://www.youtube.com/watch?v=6VBXQxoP814
(Крутость Артура еще в том, что он композитор и исполнитель музыки, которая играет на этом видео)
Суть инсталяции в том, что тележка на рельсах подъезжает к стулу, не останавливаясь подхватывает его, крутит в воздухе и ставит на то же самое место и двигается дальше.
Меня это вдохновило на создание декоративных рычагов по мотивам его работ. Они опускались между панелями и имели винтажный вид, чтобы уравновесить дизайн между современным технологичным видом и более классическим. Тут важно, что я не крал его макеты, а вдохновился его работами для создания своих уникальных конструкций.
— Как вы презентуете дизайн заказчикам, артисту?
— Чаще всего я показываю скетчи и какую-то трехмерную визуализацию. Мне нравится делать все самому: и дизайн, и программировать, и воспроизводить шоу. Я не фрик, просто мне так спокойней. В турах со Стингом я совмещаю все роли: я светодизайнер, lighting director (нет русского определения), программист, оператор пульта.
— Расскажите про световые панели в предыдущем туре Стинга
— Они сделаны по мотивам старинных Молфеев.
Внутри пары с зумом Elation Arena Q7 Zoom. Фишка в том, что можно убирать зум и тогда становятся видны лучи. Их изготовила компания Upstaging, которая сделала и рычаги для оркестрового тура.
В их дизайне я хотел совместить внешний вид рупорных акустических систем и классических молфеев.
— Как вы придумываете цветовые схемы к песням?
— Мне в этом помогает мое прошлое графического дизайна, я хорошо чувствую цветовые комбинации. Но у меня есть еще не то, что секрет, правило: не больше двух цветов. Я люблю монохромность в цветовых схемах. В этом шоу у меня есть одна песня, где три цвета, но это рэгги, песня Шэгги.
Часто я ищу подсказки к чему можно привязаться и это могут быть даже обложки альбомов.
— Какие приборы предпочитаете?
— Вообще в моем райдере все приборы должны быть Martin: споты Viper, воши Viper и бимы Rush MH4. Сегодня у меня вместо вошей Mac 2000 XB и Sharpy вместо Рашей.
Бесплатная информация для тех, кто собирается перейти на новый уровень сквозной снхронизации.
Есть такая проблема. Каждый, кто хоть раз программировал и воспроизводил шоу по таймкоду на MA2, сталкивался с неприятными особенностями системы. Ну невозможно штатными настройками автоматически запускать и останавливать воспроизведение шоу — затыкаешь в одном месте, вылезает бесовщина в другом.
Артем Ильюшенков продумал логику воспроизведения таймкодных треков без боли и страха.
В условиях, несовместимых со здравым смыслом, его набор макросов, кьюлиста и таймкод-пула обеспечивал хладнокровную работу на площадке. Я протестировал его систему на своих концертах и попросил добавить несколько вкусняшек.
Дамы и господа, представляем бронебойную систему безопасного автоматизированного воспроизведения таймкодного шоу Samozapusk!
Передаю слово Артему, который закалился в самом пекле режиссерского угара на различных мероприятиях и готов поделиться своим орудием.
— «Начну издалека. При создании шоу с таймкодом, проблемы начинаются в момент его воспроизведения. Мой подход к программированию таймкод-шоу заключается в создании на каждую песню своей уникальной страницы (Page) с набором экзекюторов (Executor).
На каждую песню в таймкод-пуле (Timecode Pool) создается свой элемент, который запускает экзекюторы в нужное время. Обычно мы следили за сетлистом и вручную запускали соответствующий песне таймкод-пул. Часто было так, что оставались запущены другие таймкод-пулы, экзекюторы с других страниц и все это выливалось в какой-то ад на сцене. Мы нервно искали и отключали все ненужное.
Вначале я создал макрос, который запускал по окончании песни. Он просто релизил все экзекюторы и таймкод-пулы. Потом я стал создавать макросы под каждую песню. Запускал макрос, он релизил все лишнее, запускал нужный таймкод-пул и включал страницу песни с экзекюторами. Жить стало легче, но оставался ряд проблем.
Вот вам примеры с концертами-солянкой. Мы запускали нужный пул, а звучит другая песня — кто-то изменил очередность выхода артистов. Или на репетиции прогоняют по несколько раз одну песню, останавливают в произвольном месте, запускают сначала, потом без предупреждения перескакивают на другую. В таком режиме невозможно следить за процессом и запускать все вовремя. Нужен был автозапускатор!
И я смог его придумать и создать — способ автоматического воспроизведения таймкод-шоу. Финальные изменения появились уже в процессе написания этой статьи. Давид, попробовав данный способ, попросил внести некоторые дополнения для удобного использования в его концертах. По ходу обсуждений возникло еще пару идей, это помогло сделать систему универсальной и изящной.
Система состоит из кьюлиста-пустышки, таймкод-пула и пары макросов. Поехали по порядку».
1. Кьюлист-пустышка
Основа системы — кьюлист «пустышка» Setlist. В нем пустые кью по количеству песен в концерте. Каждая кью-песня содержит запись в поле CMD: смена значения переменной $songn и универсальный макрос запуска песни.
Переменная $songn
Переменная $songn нужна, чтобы все кью и таймкод-пулы по песням имели реальные названия песен. Их можно легко переносить и менять порядок в соответствии с сетлистом концерта. Привязка идет к названию, а не номерам.
Для удобства переименования, я создал специальный макрос. Он переименовывает таймкод-пул, страницу, кью в секвенции Setlist и присваивает значение переменным $song1..$song60.
Макрос переименования Label Song
Макрос запуска Start Song
Макрос запуска песни Start Song автоматизирует процесс.
Выключает все таймкод-пулы всех песен
Перематывает таймкод-пулы к старту
Релизит все экзекюторы на всех страницах
Запускает таймкод-пул песни, которая должна запуститься автоматически
Включает страницу этой песни
Выбирает таймкод-пул для просмотра содержимого таймлайна
2. Таймкод-пул с песнями
Создаем таймкод-пул с количеством песен в концерте. Назначаем ему экзекютор с секвенцией-пустышкой.
Время запуска каждой кью-песни из пустышки стоит по принципу «начальная метка песни минус 3 секунды». Например, если Песня №1 начинается с 0:10:00:00 то соответствующая ей кью в данном таймкод-пуле должна запуститься на 3 секунды раньше, в 0:09:57:00. Это сделано для того, чтобы макрос из поля CMD успел выполнить действия до начала песни. Своего рода пре-ролл, чтобы отключить все ненужное и запустить верный таймкод-пул.
В настройках таймкод-пула поставьте AutoStart [On] и Switch Off [Playbacks Off]. Это очень важно!
Сценарий работы системы
На пульт приходит сигнал таймкода. На часах 0:19:58:00.
В настройках таймкод-пула Setlist стоит AutoStart [On] и Status Call [On]. Это значит, что этот пул стартанет автоматически и запустит соответствующую этому времени кью в кьюлисте-пустышке: Cue 2 ‘Song 2’.
В поле CMD этой кью у переменной $songn присвоится значение ‘song2’. Макрос Start Song отключает все экзекюторы, все таймкод-пулы, запускает нужный таймкод-пул с названием песни, соответствующим ‘song2’ и меняет страницу.
Бонус-трек
Держите макросы, которые сделают это все автоматически за пару нажатий. Вы вправе отредактировать систему под свои нужды.
Если используете мою систему как есть, то ваше шоу должно соответствовать нескольким требованиям:
Каждой песне соответствует свой номер страницы и номер таймкод-пула. Например, Песня 1: Page 1, Timecode Pool 1.
В системе заготовлено 60 песен. Все песни идут с интервалом в 10 минут, начиная с 0:10:00:00.
Макрос «Import TC+Seq» импортирует секвенцию Setlist в пул 999, назначает ее на экзекютор 1.201, импортирует таймкод-пул Setlist в пул 100. Перед запуском этого макроса убедитесь, что все пулы и экзекютор пустые. Вы сможете потом все перенести по своему желанию.
После импорта секвенции и таймкод-пула, переименуйте их в настоящие названия песен макросом Label Songs. Это присвоит значения необходимым для работы системы переменным $song1…$song60 и позволит выстраивать порядок песен для красоты.
Таймкод-пул Setlist в режиме Link Selected. Это удобно для быстрого переключения между LTC и MTC. Например, когда вы на репетиции запускаете таймкод с ноутбука по миди.
Импортируйте в MA2 три макроса из файла Samozapusk.xml (Setup—Import-Export—Macros)
Макрос Import TC+Seq импортирует секвенцию Setlist и таймкод-пул Setlist
Макрос Label Songs переименовывает страницу, таймкод-пул и соответствующую кью в кьюлисте-пустышке Setlist.
После всех этих манипуляций можно переносить секвенцию Setlist на другой экзекютор и менять очередность таймкод-пулов и страниц. Привязка к их запуску идет не по номеру а по их названию. Менять расположение секвенции Setlist (999) в пуле секвенций (Seq Pool) не стоит, так как переименование кью в этой секвенции при помощи макроса Label Songs происходит за счет привязки к номеру данной секвенции (999).»
Заказчики и художники по свету совместными заблуждениями наделили таймкод вымышленными мистическими свойствами, хотя его задача только автоматизировать запуск кью вовремя.
Афоризм «О мертвых ничего, кроме хорошего» точно описывает нашу профессиональную среду. О работе коллег как о покойниках: хорошее или ничего.
Правдивые мнения, за исключением отравленных ненавистью и завистью, сообщество высказывает только за вашей спиной. Узнать оценку получается в искаженном виде или с большими потерями по пути через третьих лиц. Меня это не устраивает.
«De mortuis nihil nisi bonum» — высказывание принадлежит древнегреческому политику и поэту Хилону (VI в. до н.э.). Историк философии Диоген Лаэртский (III век) впервые привел изречение Хилона в своем трактате «О жизни, учениях и изречениях знаменитых философов». В XV веке итальянский богослов Амброджо Траверсари перевел книгу на латинский и сделал это выражение популярным.
Блокада экспертного мнения о вашей работе свойственна не только сообществу художников по свету — это всеобщая проблема пещерного отношения к работе и общению с коллегами в индустрии.
Возьмем звукорежиссеров из соседнего цеха. Только и слышу: этот мудак, тот мудак. Этот оглох и не слышит, тот разгоняет до крови из ушей, у этого барабаны как картонные коробки, а у этого песок и стекло в миксе. Так скажите ему! Через обиду придет осознание полезности информации, а вместе с ним и благодарность.
В индустрии не рассказывают про реализованные проекты и нет площадок, где их можно было бы обсуждать. Шоу-однодневки проходят так же незаметно для сообщества как и выдающиеся концерты.
Критика — это награда
Один из показателей профессиональной зрелости — восприятие критики. Критика со стороны коллег — бесценный источник полезной информации. Критика помогает развиваться и делает вас лучше.
Критикуйте из вредности
Почти все умеют критиковать ради самоутверждения, чтобы возвыситься над толпой. Такая критика может быть едкой. Ее тяжело воспринимать, потому что выглядит как личное оскорбление. Даже из такой критики можно получить выгоду, если выработать устойчивость к негативу. Просто фильтруйте.
Критикуйте конструктивно
Критиковать профессионально умеют единицы. Они критикуют не человека, а его работу. Профессиональные критики указывают на недостатки и говорят что сделать, чтобы стало лучше. Не важно, примите вы их советы или нет. Цель конструктивных критиков не в том, чтобы сказать как и что делать. Цель их критики — подстегнуть коллег к работе с блеском в глазах. Такие люди просто не могут пройти мимо. Я учусь быть таким критиком. Это высший пилотаж.
Критиковать — это полезно
Критический анализ работ коллег вырабатывает навык разбирать шоу на детали. Вы анализируете элементы и учитесь на чужих ошибках.
Можно оценивать работу коллег не дожидаясь просьб о критике. Так вы провоцируете их на ответные действия и сразу получаете полезную информацию о своих проектах. Вместе с тем коллеги оказываются одной ногой в клубе профессиональных критиков. 🙂
Узнайте про проект
Перед критикой узнайте как можно больше про проект. На возможные недостатки в шоу могли воздействовать непреодолимые силы: в дизайн вмешивается некомпетентный родственник артиста, безвкусный режиссер, нельзя дымить, стробить, затянули с согласованием и не осталось времени на программирование — да много чего. Дизайнер знает это и без вас и не может повлиять на это.
Я постоянно мечтаю о любой критике. Она не обидит меня, а сделает лучше. Прошу вас, давайте критиковать друг друга профессионально.
«О мертвых говори добро или ничего». Какое ложное правило! Напротив, надо бы сказать: о живых говори добро или ничего. От скольких страданий это избавило бы людей, и как это легко! О мертвых же почему не говорить худого? В нашем мире, напротив, установилось правило: с некрологами и юбилеями говорить о мертвых одни страшно преувеличенные похвалы, следовательно, только ложь. А это наносит людям большой вред, оглаживая и делая безразличным понятие добра и зла».
Артист не видит, доверяет или не разбирается. Зритель не понимает. Что тогда дает мне энергию этим заниматься? Прежде всего я сам. Во вторую очередь вы, дорогие коллеги.
«Шоу по-московски» — это когда в вашем распоряжении топовые технологии и инструменты. В своем воображении вы стоите на одной ступени с мировыми туровыми шоу и уверены, что сделаете так же без репетиций и прогонов в реальных условиях.
Эта статья про использование соцсетей как потенциально эффективного канала информации для создателей шоу. Но обо всем по порядку.
Информагентство шоу-индустрии Pollstar поставило мировой тур Бейонсы Formation Tour на второе место по лучшим сборам в 2016 году. Певица выступила на 49 стадионных концертах в Америке и Европе и собрала 256 млн долларов.
Масштаб шоу соответствовал его успешности. Вообще, перед дизайнерами больших стадионных концертов стоит проблема удаленности артистов от зрителя — публика смотрит на боковые трансляционные экраны вместо сцены.
Английский сценограф Эсмеральда Девлин решила эту задачу радикально. Она создала гигантский арт-объект посередине сцены, который стал одновременно декорацией и огромным экраном. Авторы назвали его «Монолитом».
Эсмеральда Девлин — театральный сценограф из Лондона. Карьера концертного дизайнера началась с работы с Канье Уэстом. Он увидел работу Эс для панк-группы Wire и захотел переделать шоу для своего тура Touch the Sky за 10 дней до премьеры. Девлин создавала дизайн сцен для U2, Muse, Lady Gaga, Jay Z, Adele, The Weeknd. Эсмеральда была дизайнером церемонии закрытия олимпиады в Лондоне.
Если пролистать портфолио Эс Девлин, то виден ее узнаваемый почерк. Ей нравятся крупные скульптурные и кубические формы в дизайне. Большие экраны раздвигаются, перемещаются в пространстве, артисты взаимодействуют с ними. Это я к тому, что придумать что-то новое невозможно.
Kanye West — Watch the Throne Tour 2013
Muse — Resistance Tour 2009
U2 — Innocence + Experience Tour 2016
Спектакль Chimerica 2013
Myley Cyrus — Bangerz Tour 2014
Myley Cyrus — Bangerz Tour 2014
Kanye West — Yeezus Tour 2013
Take That — Progress Tour 2011
Монолит
Монолит — это 180-тонный вращающийся параллелепипед 22 × 16 × 9 м. Конструкция с экранами по периметру делала полный оборот в любую сторону за 3 минуты 20 секунд и раздвигалась посередине на 7 метров в определенный момент шоу.
Внутри были конструкции со светом и пространство для акробатического номера. По широким сторонам параллелепипеда были экраны с шагом 9 мм и 18 мм — по узким.
Чтобы собирать эту громадину вовремя, компания Stageco сделала четыре комплекта каркаса Монолита. Каждый комплект занимал 23 фуры и отправлялся заранее в нужный город.
Монолит устанавливали на сцену размером 62 × 35 метров. Из-за таких размеров, приходилось урезать вместимость стадионов. Например, на концерт в Дублине вместо 82,5 тысячи человек попало только 75 тысяч.
Перед художником по свету Тимом Рутледжем стояла сложная задача: как раскидать световые приборы, если нет крыши, подвесов — никаких конструкций. Монолит заменил собой все.
«Концептуально это и не должно было быть привычным световым шоу. Главный акцент был на Монолите с IMAG-контентом. Это история не про световые эффекты, в этом плане мы подвинулись в сторону» — вспоминает Рутледж.
Дизайнер предложил позади Монолита возвести стенку из приборов: «Эс Девлин не любит круглые источники света, поэтому выбрали SGM Q-7». Семь секций стояли полукругом. Полотно из 604 диодных стробоскопов хорошо обыгрывали прямоугольную форму центрального элемента сцены.
По верхнему краю стенки повесили споты BMFL и Mythos, причем BMFL Рутледж использовал в качестве вошей для заливки сцены.
Чтобы освещать танцоров, Рутледж расположил приборы прострельно по краям сцены. На каждой широкой стороне Монолита снизу было по 16 спотов. Они вращались вместе с конструкцией и выполняли роль контрового света. Это было важно для съемки, чтобы отделить артистов от экрана. Весь остальной свет можно было разместить вокруг Монолита. Выбора не было — оставались только портальные башни.
Видео
Почти все время на экране показывали живую трансляцию с камер и наложенными поверх эффектами. Графику и заранее отснятые ролики запускали во время технических пауз и смены костюмов.
Благодаря потрясающему качеству съемки, планам, ракурсам, цветовым эффектам — трансляция была настолько сочной, что все смотрелось словно это были заранее снятые клипы.
Шоу по-флоридски
Компания Live Nation арендовала для прогонов стадион в городе Тампа. Репетиции длились с 5 апреля до первого концерта тура в Майами 27 апреля. Это стоило промоутерам 745 000$.
Шпионская фотография репетиции в Тампе
Арендовать бейсбольный стадион в Майами оказалось невозможно — начинался спортивный сезон. Тампа был выбран по удобству логистики. Вначале репетиции и прогоны в Тампе, затем репетиция переезда и концерт в Майами, а через два дня полноценный концерт для зрителей в исходной точке.
Вип-улей
Фанатское движение Бейонсы называет себя beyhive. Тут заложена интересная игра слов. В английском слове beehive, что в переводе улей, заменена одна буква. Получилось Beyonce hive — beyhive.
В туре 2013 года The Mrs. Carter Show прямо на сцене в нишах по краям появились две супер фан-зоны — beyhive pit. В Formation туре дизайнеры их сохранили. Билеты в эти зоны стоили около 1000$ и вмещали в среднем по 100 человек на каждой стороне.
Вот с ними-то и произошла неприятность. Фанаты, потратившие такие безумные деньги были разочарованы тем, что они получали.
Группа недовольных активистов создала инстаграм-аккаунт @dissapointingbeyhivepits, чтобы привлечь внимание дизайнеров и менеджеров тура.
Суть претензий сводилась к нескольким ключевым пунктам.
Очень высокая сцена по отношению к нише, где стояли фанаты. Для многих девушек сцена оказывалась выше уровня глаз, не говоря о том, что стоять приходилось друг за другом или за фанатами выше ростом.
Дым. На открытых площадках ветер сдувал мощные потоки дыма прямо на фанатов и полностью закрывал сцену.
Приборы закрывают сцену. Прямо перед нишами стояли прострельные споты BMFL, по три с каждой стороны. Сами по себе не маленькие, на открытых площадках они были с защитными колпаками и полностью закрывали обзор.
Мало внимания со стороны артистки. Фанаты считали, что за такие деньги артистка обязана уделять больше внимания вип-зонам. Им не хватало интерактива и хотя бы зрительного контакта.
Расположение beyhive pit. Если певица выходила на край сцены, то вип-фанаты видели только спину артистки. Много времени Бейонса проводит на языке и второстепенной сцене в центре партера, B-stage. Фанаты в нише не видят ни ее, ни экранов в такой близости и под таким углом.
https://youtu.be/nwhMN_X7n48
Если с поведением певицы на сцене поделать ничего нельзя, то претензии фанатов по высоте, расположению и дыму выглядели очень обоснованно.
Прием сработал и создатели заметили проблему. Отозвался тур-менеджер Алан Флойд и дизайнер Эс Девлин.
Эс Девлин, дизайнер сцены:
«Спасибо большое за эти комментарии. Дизайнеры и световые службы слышат вас прекрасно! Мы изучаем возможность, можно ли утопить приборы в сцену. Это бы уменьшило их высоту в половину. Расположение приборов очень важно для прострельного освещения танцоров снизу — это отделяет их от экрана. Так остальные зрители тоже видят танцоров на сцене и на экране. Спасибо вам за терпение, пока мы ищем решение, которое удовлетворит вас, остальных зрителей и создателей шоу».
«Спасибо! Спросила наш продакшн про возможность приподнять настил этих ниш».
«Спасибо! Высокая сцена 8 футов (2,4 м) нужна, чтобы зрители в дальних углах стадиона видели ее за головами стоящих слушателей. Мы должны сохранить ее высоту. Я продолжу общение с художником по свету на тему того, чтобы углубить световые приборы в сцену. Возможно, это улучшит ваш обзор».
«Пожалуйста, посмотрите инстаграм-акаунт @dissapointingbeyhivepits. Люди жалуются на фанатские ниши beyhive pit!». Алан Флойд, тур менеджер: «Я все вижу».
Хороший жест открытости менеджмента к общению с фанатами, но безрезультатный. Как сообщали фанаты, ничего не изменилось ни в европейском сегменте тура, ни во второй части американского.
Как соцсети могут сделать ваше шоу лучше?
Современное медиапространство наложило отпечаток на поведение людей на концертах. Многие смотрят на сцену через экран сотового телефона. Снимают весь концерт, а тут еще и мода на трансляции подоспела.
Это можно использовать!
Собирайте информацию о своем шоу
Среди хвастливых и положительных комментариев о концерте к фотографиям и видео, можно выловить ценную информацию: что не понравилось. Зрителей могут раздражать мелочи, о которых вы даже не подозреваете: ослепляющие позиции приборов, чрезмерная яркость стробов и блайндеров, закрывающие обзор декорации и конструкции.
Среди обычных зрителей на концерте может оказаться фотограф, дизайнер или человек со вкусом, который прокомментирует элементы шоу и натолкнет на свежую мысль.
Очень жаль, что у нас не принято комментировать работы коллег. Почему-то нельзя критиковать, а только хвалить, как с покойниками. Ну а за спиной, конечно, всю правду. Такая критика единственных людей, кто понимает — бесценный источник информации для развития. Я готов умолять коллег, чтобы хотя бы обосрали, ведь это сделает меня лучше, а не обидит.
Можно тестировать идеи и следить за реакцией. У Би-2 какое-то время в туровом сетлисте была песня «Муза». Там есть строчки в припеве: «Моя муза. Из евросоюза. Возьми меня в плен. Открой мне шенген». В ней я решил похулиганить на острую тему: закодировал цвета украинского флага и желтые звезды флага Европы. Мне было интересно: считает хоть кто-то? Считали несколько человек и написали в комментариях к своим фото! Я был счастлив.
Смотрите как выглядит ваше шоу на фото и видео
Синий или маджента, которой вы так гордитесь, может выглядеть омерзительно на фото. Концерт пройдет, а о качестве вашего шоу будут судить по обрывкам фото и видеороликов.
Подсматривайте за другими
Соцсети размывают расстояния и время. По миру каждый день проходят сотни концертов, включая ваших любимчиков. Их выступление еще не закончилось, а вы уже можете посмотреть как оно выглядит со стороны.
Не нужно как раньше ждать официального DVD с концертом, где все равно ничего не понять из-за монтажа. Вы смотрите концерты глазами зрителя.
После каждого своего концерта я пролистываю ленты по хэштегам. Стараюсь следить за всеми концертами коллег. Соцсети могут помочь сделать ваше шоу лучше, попробуйте сами. Лайк!
«Шоу по-московски» — это когда в вашем распоряжении топовые технологии и инструменты. В своем воображении вы стоите на одной ступени с мировыми туровыми шоу и уверены, что сделаете так же без репетиций и прогонов в реальных условиях.
Работая с незнакомыми музыкальными произведениями или на фестивалях, заготовь несколько красивых световых сцен и убери свои чертовы руки подальше от пульта. Да не трогай ты, кому говорю! Знаю, это самое сложное.
Не так важно что. Важно — когда
По большому счету, хоть это и предмет отдельного разговора про вкус, не важно что ты там делаешь: какие цвета, гобо, позиции или мотаешь головами как полоумный. Важно когда это начинается и когда заканчивается. Все как в музыке: посередине музыкальной фразы не может вдруг что-то неритмично начать играть.
Облажался — повтори
Это правило жизни нам подарили музыканты. Влепил ни с того ни с сего строб — терпи, держи до конца музыкальной части и повтори в следующем структурном элементе. Никто кроме тебя не знает как надо и все сойдет за концепцию. Гораздо хуже нервно менять световые состояния, это точно заметят все.
На этом, кстати устроена песенная форма с повторяющимися рефренами и поэтому люди так любят песни. Мозг так устроен, что успокаивается и получает удовольствие, когда слышит что-то, что уже было: например припев или второй куплет в прежней гармонии.
Фиксируй ощущения
Посещай столько концертов и спектаклей, сколько сможешь. Обращай внимание на все мелочи. Концерт — это сложный многослойный торт, где кроме света, звука и видео происходят эмоциональные и психические процессы. Бывает, что тебе безумно понравился концерт, но по свету и видео на самом деле он был полным говном. Так можно научиться не давать себя обманывать.
Кстати, никакого будущего у VR концертов нет, потому что концерт это не только смотреть плохую картинку и слушать плохой звук с ноутбука дома в трусах. Ну это и так всем понятно.
Смотри видео
Каждый день возьми привычку подробно посмотреть один или полистать несколько концертов. Нужно смотреть не только Питера Габриэля, но и дерьмо типа музыкальных премий и концертов-однодневок в Крокусе. Как зачем, чтобы никогда так не делать!
Все крутые приемы, которые ты увидишь в чужих работах, так и останутся чужими, пока ты их не попробуешь сам. Тем, кто занимался музыкой, знакомо это обманчивое чувство. В видеошколе все кажется таким простым ровно до того момента когда коснешься своего инструмента.
Повторяй фишки и находки на реальном пульте. Приучайся к шорткатам и формируй мышечную память для быстрого программирования.
Используй контрасты
Обычно светом мы визуализируем аранжировки и структуру музыкальных произведений. С помощью всевозможных ритмических, тембральных, гармонических приемов, аранжировщик делает музыкальную заготовку разнообразной и интересной для слушателя.
Лучший способ сделать световую партитуру выразительной — использовать контрасты. Это когда что-то меняется очень заметно. Если в песне, в которой стоит статично одна световая картина в одном цвете и в нужный момент буквально два раза что-то бахнет белым — это контрастно и заметно слушателю. Зритель не обратит внимание, если всю песню в димерном пульсе мотались 200 приборов, а в кульминационный момент к ним добавилось еще 100. Контрастность в этом никакая. Помни, самый мощный световой эффект — темнота.
Always light the money. Расставь приоритеты
Обожаю эту фразу патриарха американского концертного светодизайнера Нука Шукнфилда. Вначале освети музыкантов, которые платят тебе деньги, а потом мотай и мигай приборами сколько влезет. Главные на сцене — музыканты и декорации. Тысяча позиций и эффектов — дело последнее.
Не очкуй!
Не будь невыносимым говнюком. Не ори, не паникуй, не нервируй персонал на площадке. Поди не людей лечишь или в космос отправляешь. Ты просто мигаешь диодами под музыку. Успокойся, художник!
Никто не умрет, если во время шоу отвалится часть светового сетапа. Да даже если весь отвалится, люди включат фонарики и концерт запомнится навсегда. Концерт пройдет даже при дежурном освещении площадки. Не нагнетай, ты не главный в шоу. Твоя задача помочь, усилить, скрыть недостатки с помощью визуальных инструментов.
Не вреди
Мы занимаемся прикладной деятельностью. Мы приложены к чему-то более важному — к музыке. Результат нашей работы не может существовать сам по себе и без музыки это просто бессмысленное мигание диодами. Не перетягивай одеяло на себя. Ты победил, когда читаешь комменты после концерта в инсте, а там ни слова про твое выдающееся световое шоу. Ты часть продукта, ты должен быть растворен в этом коктейле незаметно. Если зритель заметил твои эффекты, ты спалился. Садись, снова двойка.
Bonus track
Будь проще!
Мои две любимые поговорки: Less is more и KISS: keep it simple, stupid. Крутое шоу можно сделать на паре фейдеров и нескольких эффектах на любом пульте — доказательств масса в Ютубе (смотрел уже сегодня пару концертов?). Всем насрать, сколько ты там позиций настругал и сколько видов димерных бегучек у тебя на 5 крыльях, если не успел направить свет на группу.
Красота в визуальной простоте. Не мешай цвета, не создавай визуального шума. Но про вкус подробнее в другой раз.
Попробуй что-то из этого, тебе понравится, вот увидишь.
